Sumé

Dans l'immensité des paysages arctiques du Groenland, un groupe musical a su transcender les frontières culturelles et sociales : Sumé.
Formé dans les années 1970, Sumé est non seulement un groupe de musique, mais également un symbole de l'identité groenlandaise et de la lutte pour les droits des Inuits.
Sumé a vu le jour en 1973, à une époque où le Groenland était encore une colonie danoise.
Principalement issus de la communauté inuit, les membres du groupe ont voulu créer une musique qui reflétait leur culture, utilisant la langue groenlandaise, teintée de rock progressif et de psychédélisme.
Ils ont donné une voix aux préoccupations de leur peuple en abordant des thèmes sociaux et politiques tels que la pauvreté, l'alcoolisme et la perte d'identité culturelle.

Le son de Sumé se caractérise par une fusion de rock, de folk traditionnel inuit et de musique moderne.
Leurs mélodies sont portées par des paroles puissantes qui racontent des histoires de luttes et de résistances, des chansons emblématiques avec les aspirations d'un peuple en quête de reconnaissance et d'autonomie.




Bien que Sumé ait connu des périodes d'inactivité, leur héritage demeure vivant.
Leurs chansons continuent d'inspirer de nouvelles générations d'artistes et de militants; le groupe a même connu un regain d'intérêt grâce à des projets de réédition et des concerts.
En 2019, un documentaire intitulé "Sumé : The Sound of a Revolution" a permis de redécouvrir leur histoire et leur impact, renforçant leur statut de figure représentative de la musique groenlandaise.




Ressources

Wikipedia
Discogs
RésistanceS

Nihil Intim feat. E.D.O.

Nihil Intim aka Antoine Pradalet est un artiste peintre, musicien et poète.
Avec son dernier projet, "Nihil Intim", en collaboration avec E.D.O., il nous invite à plonger dans un univers sonore riche et complexe, publié sous le label Alpeph Records.
Instillant une ambiance sonore conjuguée à des textes poétiques déclamés, il parvient à créer un dialogue musical captivant, où chaque morceau raconte une histoire.

Cet album sorti, il y a quelques mois, s'offre à nous tel un alliage forgé entre poésie profonde et création musicale synthétique.
On entend l'écho d'un Léo Ferré introspectif porté par des trames électroniques et synthèses modulaires.
Cherchant à capturer l'essence de la condition humaine, les morceaux oscillent entre mélancolie et espoir, proposant une palette émotionnelle vaste qui résonne avec l'auditeur.




Antoine Pradalet nous offre une œuvre audacieuse et introspective qui mérite d'être écoutée attentivement.
Ce projet est un véritable voyage sensoriel qui interroge nos émotions et notre rapport au monde.
En alliant innovation musicale et profondeur lyrique, Antoine Pradalet confirme sa place sur la scène musicale actuelle et laisse entrevoir un avenir prometteur.


Aleph Records

Helmut Findeiß

Helmut Findeiß est né en 1943 en Haute-Silésie.
En 2007, il découvre, de manière autodidacte, la peinture.
Travaillant, presque exclusivement le non-représentatif et l'abstraction, il évolue, au travers des couleurs et des formes, sur une ligne esthétique singulière aux accents informels.

Ce pouvoir des couleurs, des formes ou encore des coulures, renforce intensément les émotions spontanées qui, inconscientes et une fois exprimées, donnent corps à la création.
Ainsi Helmut Findeiß trouve, comme il le dit lui-même, ses propres dispositifs stylistiques.

Le spectateur dispose d'une grande liberté d'interprétation dans ces tableaux et tout un chacun peut se réapproprier l'œuvre.
Le processus de spontanéité est un élément prégnant chez Helmut Findeiß : prenant un temps certain dans la conception et l'éxécution de ses tableaux, nous sommes forces d'exploration dans cet univers aux mille facettes.

Ressources

Helmut Findeiß site officiel
The Benedict Gallery Blog

Frei Otto

Frei Otto (1925-2015) était un architecte et ingénieur allemand reconnu pour ses travaux innovants dans le domaine des structures légères et des constructions en membrane.
Son approche novatrice et son utilisation des matériaux légers ont fait de lui une figure emblématique de l'architecture moderne.
Né à Siegmar, en Allemagne, Frei Otto a été influencé par la nature et les formes organiques, ce qui a marqué son style architectural.
Après la Seconde Guerre mondiale, il étudie l'architecture à l'Université technique de Stuttgart et commence à développer des concepts de structures qui imitent des formes naturelles, comme les ailes d'oiseaux ou les structures de toiles d'araignées.

Une des réalisations les plus célèbres de Frei Otto est le pavillon de l'Exposition universelle de 1967 à Montréal, qui se caractérisait par sa toiture en membrane légère et ses formes ondulantes.
Il a également conçu le stade olympique de Munich, achevé en 1972, qui est célèbre pour son toit en toile translucide, une prouesse technique qui alliait esthétique et fonctionnalité.
Il fut également un pionnier dans la recherche sur les structures légères et a contribué à la compréhension des principes de la physique appliqués à l'architecture.
Il a souvent collaboré avec des scientifiques et des ingénieurs pour développer des modèles et des prototypes, intégrant ainsi la science dans le processus de conception architecturale.

En 2015, Frei Otto reçoit le prix Pritzker, souvent considéré comme le prix Nobel de l'architecture, en reconnaissance de son travail exceptionnel et de son influence sur le domaine.
Son héritage perdure à travers ses conceptions innovantes et son approche respectueuse de l'environnement, qui continuent d'inspirer de nouvelles générations d'architectes et d'ingénieurs.

Ressources

Textile/Art
AD Magazine
Livraisons d'Histoire de l'Architecture

Patryk Zakrocki

Patryk Zakrocki est un artiste sonore, compositeur, multi-instrumentiste, né en 1974 à Varsovie (Pologne).
Membre actif de la scène improvisée de Varsovie, il joue principalement de la guitare, de l'alto, des synthétiseurs oscillateurs et du mbira électrique.
Porteur de nombreux projets, il collabore avec de talenteux artistes tels que Fred Frith, Noël Akchoté ou encore Tetuzi Akiyama





Patryk Zakrocki dirige également son propre label indépendant, Monaural Poetry, qui produit de véritables enregistrements analogiques sur disques vinyles.
Son intervention dans le domaine des musiques de films est remarquable à bien des égards : avec sa POST PANDEMIC MUSIC, il réussit à transcender, avec sa matière sonore, une vidéo de Mataj Siesicki.




Outre d'innombrables spectacles en Europe, il s'est également produit aux États-Unis (Washington National Gallery, Brooklyn Academy of Music, Lucasfilm studio San Francisco et bien d'autres), en Uruguay (Theatro Solis Montevideo), en Iran (City Theatre Teheran), en Israël, en Égypte, en Islande, en Chine et plus de 20 fois au Japon (Tokyo, Kyoto, Sapporo, Yokohama, Zusi, Osaka).


Patryk Zakrocki
Monaural Poetry

La Musique Improvisée : L'Art de la Création Instantanée

La musique improvisée est un domaine fascinant et riche qui transcende les frontières des genres et des traditions.
Elle se caractérise par la capacité des musiciens à créer et à interpréter des œuvres musicales en temps réel, sans recours à une partition préétablie.
Cette forme d’art, qui trouve ses racines dans de nombreuses cultures à travers le monde, offre une liberté d’expression unique et un espace de dialogue entre les artistes.





L’improvisation musicale n’est pas un concept nouveau.
Elle a été pratiquée à travers les âges, des rites tribaux aux salons aristocratiques du passé.
Dans la musique occidentale, des compositeurs comme Johann Sebastian Bach et Wolfgang Amadeus Mozart ont souvent improvisé au clavier et cette tradition s'est perpétuée au travers du jazz, du blues et de la musique contemporaine.
Dans d'autres cultures, comme la musique indienne classique ou le jazz africain, l'improvisation est au cœur de la performance.
Par exemple, dans le raga indien, le musicien improvise en utilisant des motifs mélodiques et rythmiques qui respectent des structures traditionnelles.





La musique improvisée se décline en plusieurs styles, chacun avec ses propres caractéristiques :

Jazz : Le jazz est sans doute le genre le plus associé à l'improvisation.
Les musiciens de jazz, tels que John Coltrane ou Miles Davis, utilisent des structures harmoniques et des progressions d'accords comme base pour leurs improvisations, jouant souvent sur des rythmes syncopés et des variations de tempo.

Musique contemporaine : Des compositeurs comme John Cage ou Morton Feldman ont exploré des formes d'improvisation qui remettent en question les conventions musicales traditionnelles.
Leur approche peut inclure des éléments de hasard et une interaction directe avec l'environnement sonore.

Musique traditionnelle : Dans de nombreuses cultures, l'improvisation est intégrée dans les performances de musique folklorique.
Les musiciens adaptent les mélodies et les rythmes en fonction de l'auditoire et du contexte, créant une expérience unique à chaque performance.

Free Jazz : Cette branche du jazz, popularisée par des artistes comme Ornette Coleman, Cecil Taylor ou bien Sun Ra, se concentre sur l'expression personnelle et l'expérimentation.
Les musiciens de free jazz s'éloignent des structures traditionnelles pour explorer des sonorités nouvelles et des interactions spontanées.





L'improvisation musicale présente de nombreux avantages, tant sur le plan personnel que social.
Elle stimule la créativité et la pensée critique, permettant aux musiciens de développer leur propre voie artistique.
L'improvisation favorise également la communication et la collaboration entre les artistes, renforçant ainsi les liens entre eux.
De plus, elle peut servir de catharsis émotionnelle : les musiciens ont souvent recours à l'improvisation pour exprimer des sentiments profonds, transformant leur douleur ou leur joie en musique.
Cela crée une connexion authentique avec l'auditoire, qui peut ressentir l'énergie brute de la performance.

La musique improvisée est bien plus qu'une simple technique de création musicale.
Elle représente un véritable art de l'instant, une célébration de la liberté d'expression et de la communication humaine.
À travers l’improvisation, les musiciens explorent des territoires sonores inexplorés, invitant les auditeurs à les accompagner dans un voyage musical unique.
Que ce soit sur une scène de jazz, dans un concert de musique contemporaine ou lors d'une jam session entre amis, l'improvisation continue de captiver et d’inspirer, rappelant à tous que la musique est avant tout une aventure collective.





Ressources

The Wire
Néosphères
Grands Formats
Les Instants Chavirés
Festival de Musique Improvisée de Lausanne

Jules Laforgue

"Jules Laforgue né le 16 août 1860 à Montevideo et mort le 20 août 1887 à Paris, est un poète franco-uruguayen symboliste.
Connu pour être un des inventeurs du vers libre, il mêle, en une vision pessimiste du monde, mélancolie, humour et familiarité du style parlé.
Il a collaboré à des revues telles que la Revue indépendante, le Décadent, la Vogue, le Symboliste, la Vie moderne, l'Illustration.
Il était proche d'écrivains et de critiques comme Édouard Dujardin et Félix Fénéon.
Il jouait avec les mots et en créait fréquemment. Il dessinait. C'était un passionné de musique.
Il refusait toute règle de forme pour l’écriture de ses vers. Sa poésie, mais aussi sa prose, se caractérisent ainsi par une coupe multiforme. Empreints de spleen, d'un sentiment de malheur et d'une vaine recherche d’évasion, ses écrits témoignent d'une grande lucidité".

«Spleen»

Tout m'ennuie aujourd'hui. J'écarte mon rideau.
En haut ciel gris rayé d'une éternelle pluie,
En bas la rue où dans une brume de suie
Des ombres vont, glissant parmi les flaques d'eau.

Je regarde sans voir fouillant mon vieux cerveau,
Et machinalement sur la vitre ternie
Je fais du bout du doigt de la calligraphie.
Bah ! sortons, je verrai peut-être du nouveau.

Pas de livres parus - Passants bêtes - Personne.
Des fiacres, de la boue, et l'averse toujours...
Puis le soir et le gaz et je rentre à pas lourds...

Je mange, et bâille, et lis, rien ne me passionne...
Bah ! Couchons-nous, - Minuit. Une heure. Ah! chacun dort !
Seul, je ne puis dormir et je m'ennuie encor.

7 novembre 1880. Poèmes inédits




"Atteint de phtisie, il meurt le 20 août 1887.
Il est inhumé au cimetière parisien de Bagneux (8e division)".


Source : Wikipédia

Häri Ren

Häri Ren est un artiste de la classe ouvrière profondément influencé par l'univers industriel de Manchester et du nord de l'Angleterre.
Son travail explore des thèmes sombres, alliage de notre monde psychotique.

Il crée des pièces audacieuses et expressives qui embrassent le côté brut et les aspérités obscures de la vie.
S'inspirant des paysages de sa ville natale et de ses alentours, il canalise l'environnement des usines en décomposition, des rues mornes et des populations qui vivent en marge de la société.

Häri Ren mélange la peinture traditionnelle avec des techniques numériques modernes, des photocomposites et des éléments d'IA générative pour créer des œuvres qui capturent l'énergie des lieux et des personnes.

Son art combine chaos et beauté, tout en s’inspirant d'histoires étranges dans l’ombre de la vie quotidienne.
Qu’il s’agisse de mythes, de lieux en lambeaux ou d’anthropomorphismes marginalisés, son œuvre donne vie à des mondes invisibles de manière facinante et troublante.

Source : Häri Ren official site

Toutes illustrations © Häri Ren - Pas de reproduction sans autorisation
All illustrations © Häri Ren - No reproduction without authorization

Henri Chomette

Henri Chomette est un réalisateur français né le 30 mars 1896 à Paris et décédé le 12 août 1941 à Rabat (Maroc).
Frère aîné de René Clair et plutôt méconnu, il s'intéresse d'abord - après avoir été figurant et assistant réalisateur - à la théorie cinématographique et tourne des films muets d'avant-garde qu'il qualifie de «cinéma pur», notamment Jeu des reflets et de la vitesse (1923), À quoi rêvent les jeunes filles ? (1924), Cinq minutes de cinéma pur (1925).









À partir du Requin (1930), premier film parlant tourné en France, Henri Chomette décide de se détourner de la théorie et de diriger des films plus accessibles.
Il part pour Berlin qui était alors la capitale du cinéma moderne en Europe et tourne des versions françaises de films allemands, pour se familiariser avec le monde des cinéastes allemands.
De retour en France en 1933, son film Prenez garde à la peinture est bien accueilli, mais dans des cercles restreints. Il poursuit sa collaboration avec des cinéastes tels qu'Ucicky, et tourne en 1934 Rêve éternel avec Arnold Fanck, film de montagne dont le genre est alors très en vogue, mais la version allemande a plus de succès.
(Source : Wikipédia)




Cairn.info (article)

Agalisiga Mackey

Agalisiga Mackey est un musicien, compositeur et interprète de musique folk/country en langue cherokee.
Originaire de la nation Cherokee, dans le nord-est de l'Oklahoma, Agalisiga Mackey a passé les premières années de sa vie dans la petite communauté traditionnelle de Kenwood, au bord d'un ruisseau, où la famille de sa mère s'est installée après le déplacement forcé des Cherokees.





Ce jeune artiste, âgé d'une vingtaine d'années, fusionne un son country/blues avec sa voix grave de baryton, fruit de la pratique des chants de cérémonie cherokee durant son enfance.
Son premier album country/folk, "Nasgino Inage Nidayulenvi", sorti sur le label Horton Records (Tulsa, Oklahoma), est entièrement écrit, chanté et interprété dans la langue cherokee, sous la tutelle du producteur Jared Tyler (multi-instrumentiste reconnu).

En peu de temps, Agalisiga Mackey est passé de la reprise de morceaux vintages à des productions beaucoup plus personnelles, passant ainsi de petites scènes à de plus grandes, notamment à la fête nationale Cherokee ou encore à l'inauguration du Bob Dylan Center à Tulsa, Oklahoma.
Il attire à lui des publics, de plus en plus nombreux, occidentaux mais également amérindiens, fortement intrigués d'entendre le Cherokee chanté de manière si baroque.
Ce musicien vous est fortement recommandé si vous aimez Hank Williams, Merle Haggard, Jimmy Rodgers, John Moreland ou encore Vincent Neil Emerson.

(Source : Native Arts and Cultures Foundation et Horton records Bandcamp - VdS traduction)