Monsieur Manatane

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John Cage

© copyright Marion Kalter

"Élève de Schönberg, John Cage s'est illustré comme compositeur de musique contemporaine expérimentale et comme philosophe. Il est également reconnu comme l'inspirateur du mouvement Fluxus, du groupe espagnol ZAJ et des expérimentations musicales radicales qui accompagnaient les chorégraphies de la Merce Cunningham Dance Company. Il y a d'ailleurs occupé la fonction de directeur musical puis de conseiller musical jusqu'à sa mort en 1992.

En 1935, faute de place pour pouvoir utiliser des instruments de percussions pour les besoins d'une œuvre destinée à accompagner une chorégraphie de Syvilla Fort, Cage crée sa première pièce pour piano préparé. Cette idée lui a en fait été suggérée par Henry Cowell, dont il fut l'élève en 1934, et qui faisait déjà de nombreuses expériences dans ce sens depuis les années 1910 (The Banshee, 1917). Cage fut très influencé par le livre New Musical Resources écrit par Cowell avec l'aide d'un professeur de Stanford à partir des leçons du professeur Charles Seeger.

Cage composa de nombreuses pièces pour piano préparé dont les Sonates et interludes, où le pianiste doit insérer de manière précise entre certaines cordes du piano des objets divers comme des boulons ou des gommes servant à en transformer le son.

L'étrangeté de ses compositions laisse transparaître l'influence du compositeur Erik Satie, auteur en son temps incompris de compositions très originales, comme les ésotériques Gnossiennes ou les très sobres et célèbres Gymnopédies. Cherchant à épurer sa musique, il eut la particularité d'écrire ses œuvres sans ponctuation musicale, laissant au pianiste comme seules indications des descriptions d'atmosphère au lieu des traditionnelles nuances

L'une des œuvres les plus célèbres de John Cage est probablement 4′33″, un morceau où un(e) interprète joue en silence pendant quatre minutes et trente-trois secondes. Composée en trois mouvements devant cependant être indiqués en cours de jeu, l'œuvre a été créée par le pianiste David Tudor. L'objectif de cette pièce est l'écoute des bruits environnants dans une situation de concert. Cette expérimentation découle de l'importance qu'accordait John Cage à la pensée de Henry David Thoreau. Ce dernier relate dans son « Journal » qu'il est plus intéressant d'écouter les sons de la nature, le son des animaux et le glissement furtif des objets animés par les éléments naturels par le vent que la musique préméditée par l'intention d'un compositeur1. 4′33″ découle aussi de l'expérience que Cage réalise dans une chambre anéchoïque dans laquelle il s'aperçut que "le silence n'existait pas car deux sons persistent" : les battements de son cœur et le son aigu de son système nerveux. Comme le dit Yōko Ono, John Cage « considérait que le silence devenait une véritable musique ». À partir de cette période, toutes les compositions de Cage seront conçues comme des musiques destinés à accueillir n'importe quel son qui arrive de manière imprévue dans la composition. Cage prétendait que l'une des composantes les plus intéressantes en art était en fait ce facteur d'imprévisibilité où des éléments extérieurs s'intégraient à l'œuvre de manière accidentelle2. Il considérait la plupart des musiques de ses contemporains «trop bonnes car elles n'acceptent pas le chaos»3. À partir de cette époque, il compose des musiques uniquement fondées sur le principe d'indétermination en utilisant différentes méthodes de tirage aléatoire dont le Yi-king. Le mot « aléatoire » doit s'entendre chez John Cage, en anglais, comme chance et non pas random.





Le travail de John Cage s'appuie sur la recherche et l'expérimentation. Il fut lauréat du Prix de Kyōto en 1989. Après son divorce en 1948, John Cage a partagé sa vie durant 50 ans avec le chorégraphe Merce Cunningham." (Wikipedia)

John Cage

Alfreda Benge

Alfreda Benge par John Bratby


Alfreda Benge, née en 1940, est une artiste britannique, peintre, illustratrice et parolière. Epouse et compagne de route de Robert Wyatt (batteur de Soft Machine), elle est à l'origine de son travail solo.
Active à ses côtés par son apport visuel mais, également, par de magnifiques textes, elle a su par sa vision valoriser la voix/voie unique de Robert Wyatt.

"En 1974, nous découvrons Rock Bottom, une pochette déconcertante avec son crayonné de gris, une illustration paisible et oppressante à la fois. L'album sortira le jour du mariage entre Alfie et Robert.
Alfreda Benge y est créditée pour la pochette ("Cover by Alfreda Benge") mais aussi comme "Voice" sur le second morceau de la face B dont le titre lui est dédié: Alifie.

Par la suite, Alifie signera la plupart des pochettes de la carrière solo de Robert Wyatt.
Sur Dondestan, Alifie sera la parolière de nombreux morceaux (Sight Of The Wind, Shrinkrap, Catholic Architecture, Costa, Worship).

Sur les albums suivants (Shleep, Cuckooland) la collaboration entre Alifie et Robert sera plus forte encore:

"Ce disque (Shleep) est le fruit d'une totale collaboration entre ma femme et moi : elle a écrit des poèmes, dessiné la pochette, choisi la typographie, l'ordre des morceaux.
Pour moi, rien n'est plus important que ce duo, ce groupe que nous formons. Je suis peut-être vieux jeu, mais je ressens chaque jour le besoin de justifier la raison pour laquelle je l'ai épousée. Elle n'a qu'une vie et elle me l'a consacrée. Si je gâchais mon existence, je gâcherais la sienne aussi. Et ça, c'est une idée que même la musique ne pourrait me faire supporter..."
(interview R.W. in Télérama 1997).

Alfreda Benge a également réalisé des pochettes d'albums pour d'autres musiciens tels que Fred Frith ou Annette Peacock, toujours dans ce style naïf et intriguant que nous lui connaissons maintenant bien. Elle a aussi exposé à plusieurs reprises mais je ne dispose (pour l'instant) d'aucune copie de ses travaux extra-discographiques." (Une discographie de Robert Wyatt)

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Robert Wyatt and stuff

Kris Barberg

Psalm 51 de Kris Barberg est un court métrage expérimental 16 mm en noir et blanc.
Rythmé par une composition originale de Peter Shu, un fil conducteur d'une danse improvisée, entrecoupée d'images, de clichés, qui nous ramènent à la photographie, portent ce film vers un temps qui passe.
Apparitions et disparitions s'enchainent et se déchainent : paysages, ombres, vie en mouvement...
Dans une aventure intérieure cyclique, ce psaume visuel est une ôde à la prunelle de nos yeux.





Psalm 51 is a black and white experimental film shot on 16mm, combining elements of improvisational modern dance and cinematic composition. Set to a percussive soundtrack, a dancer interprets the themes of despair, hope and forgiveness.

Subliminal

Chomo

Roger Chomeaux dit Chomo pouvait paraître comme un drôle d'oiseau mais ce fût un des rares artistes à avoir été au bout de son art et de son univers.

Je l'ai découvert au travers d'une émission, La 25ème Heure, diffusée vers minuit sur Antenne 2, il doit y avoir une quinzaine d'années.
Un documentaire, portrait de l'artiste.
Iconoclaste, expérimentateur, sans concession, il faisait vivre l'art brut avec le bois brûlé, la scultpture avec une approche intuititive et portait une réflexion singulière sur l'homme, l'art, la création.

Loin des galeries parisiennes et de la Société du Spectacle, Chomo entretenait une vie simple d'une rare authenticité au regard de son discours et de son franc-parler.

Chomo

Dead People

Bien singulière découverte que ces Dead People.
Une véritable machine à voyager dans le rock : ça fuzz sur quelques accords punk-garage sixties, ça sature... et nous voilà tombé sur un clône (clown ?) des Cramps et de Sonic Youth ! On dirait parfois Jesus - pas celui de Nazareth - mais des Mary Chains...
Originaires de New Orleans, Alex (drums), Connor (synth), Jasper (guitar) et Brett (guitar/vox) nous fabriquent une bande son pour films underground, lo-fi, triturée et directe. A faire pâlir un zombie !

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Merkabah

Aleks - bass
Gabriel - guitar, photography
Kaniak - visuals, live vj
Kuba - drums, percussion, visual design
Rafał - saxophone


Merkabah est un groupe créée fin 2007 à Varsovie, Pologne.
Leur univers se nourrit de psychédélisme, de métal, d'expérimentations aux riffs agressifs, d'improvisation et de rythmes tribaux. Une teinte post-rock progressive souligne l'ensemble.
On pense parfois à John Zorn et surtout aux productions Tzadik.
Pas un hasard quand on sait que le nom du groupe a à voir avec la kabbale et indique que "(...)l'atteinte des firmaments les plus élevés peut se faire à base de sonorités et de prières lancinantes et répétitives (...)(Wikipedia)".

Assonance records

A l'ombre du Bois d'Arcy : Frustration / Cheveu (Born Bad records)

"Le 7 octobre 2010, à l’initiative du Service Pénitentiaire d’Insertion et de Probation (SPIP), Cheveu et Frustration, deux groupes phares du label Born Bad Records, sont invités à jouer pour les détenus de la Maison d’arrêt de Bois D’Arcy. Une rencontre entre deux mondes et les tensions qui vont avec, dans ce mini-doc, signé par un ancien camarade et ami réalisateur/monteur du petit écran, Matthieu Brunel.
Précisons que l’établissement fondé en 1980, reçoit les prévenus donc, ainsi que les condamnés dont le reliquat de peine n’excède pas, en principe, un an lors de leur condamnation définitive. Ce n’est pas exactement le concert de Johnny Cash en 69 à la prison californienne de St Quentin, tant un univers sépare nos invités de leur public (ironie du sort, le pénitentier de Bois D’Arcy est sur la même route qu’une autre commune des Yvelines… St Quentin). Imaginez le tableaux: d’un côté, Cheveu, trio lo-fi iconoclaste auteur du plus beau bidouillage punk de l’année avec leur album 1000. A leurs côtés, Frustration, formation parisienne hantée par le fantôme de Ian Curtis. Et face à eux, un public de détenus en attente de jugement.

Les deux groupes reviennent sur cette journée un peu spéciale, et les difficultés à transmettre l’énergie Rock’n'Roll à une audience pas tout à fait programmée pour les écouter." (Source : The Drone website)





Born Bad

Paul Metzger

« (…) la frénésie discographique de Paul Metzger (presque sept albums de 2005 à 2009) aurait pourtant pu ne jamais se mettre en branle. Elle est une trace tardive et inattendue d’une pratique de la musique et du bricolage qui pendant quasi vingt ans est à peine sortie de son atelier et du cercle privé et familial. Pendant tout ce temps, Paul Metzger a construit et perfectionné à partir d’instruments de musique existants et de pièces détachées faciles à se procurer dans son environnement nord américain, une série d’instruments mutants qui devaient lui permettre de jouer ses relectures personnelles des musiques indiennes et afghanes qu’il aimait tant écouter. il y a, d’abord, une guitare peinturlurée, munie d’une grande cymbale montée perpendiculairement au manche à l’autre bout de la caisse de résonnance et sertie d’une série de boites à musique trafiquées (une série d’ergots étant limés pour que la mélodie initiale – souvent ultra-connue – du petit gadget mécanique ne soit plus reconnaissable). puis, surtout (parce que ses sonorités sont encore plus étonnantes), un banjo modifié qui, au fil des ans, s’est vu gratifier d’une petite vingtaine de cordes supplémentaires – quasi exclusivement des cordes sympathiques non directement jouées mais amenées en vibration par résonance – passant ainsi de cinq à vingt-trois cordes. (…) » (Globe Glauber et la médiathèque)

ISSUE @ 110 Livingston: Jozef van Wissem (Paul Metzger excerpt) from Damian Calvo on Vimeo.

PAUL METZGER MONOTONY from Andy Roche on Vimeo.

Paul Metzger

Cary Ann Hearst & Michael Trent / Shovels and Rope

Duo américain, Cary Ann Hearst & Michael Trent (connu également sous le nom de Shovels and Rope), nous entraine entre folk et country.
Deux voix, une ou deux guitare(s), un harmonica et un combo minimal batterie fait maison.
Sur les traces de Woody Guthrie, Bob Dylan ou Townes Van Zandt, avec la simplicité et le décor qui est le leur, ils prennent la route 66 pour des balades nomades.
Un autre regard sur le rêve américain, touchant, enraciné et pourtant intemporel.

Cary Ann Hearst & Michael Trent - The Thread from The Moving Picture Boys on Vimeo.

Cary Ann Hearst & Michael Trent - Forsaken Blues from The Moving Picture Boys on Vimeo.

Cary Ann Hearst & Michael Trent - Boxcar from The Moving Picture Boys on Vimeo.

Official Website
nyctaper - New York’s live music archivist

X

Steve Cafiero - drums
Ian Rilen - bass
Stephen Lucas - vocals, guitar


"X is an Australian punk rock band, formed in Sydney in 1977 and led by the late Ian Rilen. The band has split and reformed several times.

Although X has had several members, its sound has been defined by two distinctive elements: Rilen's basslines and Steve Lucas's guitar. Drummer Cathy Green has also been a frequent member of the band since 1984.

Rilen was also a founding member of bluesy hard rockers Rose Tattoo. During X's first hiatus (1980–83), he formed the post punk outfit Sardine v, with his then wife, Stephanie Rilen. As of 2004, Rilen had settled on a fairly stable line up of his current project, Ian Rilen & the Love Addicts, who included Cathy Green on bass. The band have also issued a CD, "Passion Boots & Bruises." (Wikipedia)

X

Don Pullen

"Don Gabriel Pullen est un pianiste de jazz né à Roanoke (Virginie) le 25 décembre 1941 , mort à East Orange (New Jersey) le 22 avril 1995.

Né dans une famille de musicien, son père, prêtre, est aussi guitariste, danseur et chanteur. Il étudie le piano à l'âge de dix ans, chante du gospel à l’église et se produit dans des groupes locaux de «Rhythm and Blues» .

Il étudie au Johnson C. Smith college de Charlotte (en Caroline du Nord) de 1959 à 1963. Il abandonne ses études pour se consacrer entièrement à sa vocation de musicien. Il s’installe à Chicago où il y fait l’une des rencontres décisive de sa vie (1964) : le pianiste et membre fondateur de l'AACM Muhal Richard Abrams.

A New York il fait la connaissance de Giuseppe Logan qui lui fait faire ses débuts phonographiques (toujours en 1964) et avec qui, l'année suivante, il joue en quartet à Town Hall. En 1966, il monte un duo avec le percussionniste Milford Graves ancien partenaire de G. Logan . Il monte alors ses propres groupes pour accompagner des chanteurs de Rhythm and Blues: (Big Maybelle, Ruth Brown) et auto-produit plusieurs disques. Il participe au mouvement free jazz tout en jouant de l'orgue dans des groupes soul jazz pour subvenir à ses besoins.

Entre 1965 et 1972, il monte et dirige des trios instrumentaux dont font partie, entre autres : Roland Prince, Tina Brooks, Al Deares.

A cette époque on peut aussi l'entendre avec le saxophoniste Charles Williams, la chanteuse Nina Simone (1970 - 1971). En 1973, il intègre le quintet de Charles Mingus avec lequel il effectuera plusieurs tournées européennes . Ce sera, pour lui, l'occasion de se faire réellement remarquer ("Moves", "At Carnegie Hall", "Changes One", "Changes Two"). En 1974 il fera un bref passage chez Art Blakey avant de jouer sous son nom, particulièrement en Europe ou il se produira presque chaque année, de 1976 à 1979.

Après de nombreuses collaborations (avec notamment les saxophonistes Sam Rivers et Hamiett Bluiett) il participera au 360° music experience du batteur Beaver Harris. À partir de 1979 (et ce pratiquement jusqu’en 1988), il va co-diriger un quartet avec le saxophoniste George Adams incluant Dannie Richmond (connu chez Charles Mingus) et le bassiste Cameron Brown. À la mort de Dannie Richmond en 1988, ce dernier est remplacé par Lewis Nash qui quitta le groupe quelques mois plus tard. Don Pullen se produit alors en trio et même en solo. En 1990, au « Yellow Spring Institute » à Chester Springs, qu’il fonde son fameux «African Brazilian Connection » avec le saxophoniste Carlos Ward, le percussionniste sénégalais Mor Thiam et deux musiciens brésiliens : le bassiste Nelson Matta, le percussionniste Guihlerme Franco. Dans les années 80, on le rencontre avec Jane Bunnett. Puis à la fin de sa carrière il se produit à Orgue Hammond au côté de John Scofield («Live 3 ways» (en 1990) , avec Maceo Parker («Roots Revisited» sorti en 1990 et rééditié en 2000). À partir de 1991, il participe au quartet du saxophoniste David Murray." (Wikipedia)

Don Pullen

Phurpa

"Le phurpa chamaniste est un outil thérapeutique employé par des chamanes himalayens en vue de guérir une maladie physique ou psychique, ou d’exorciser des cas de possession. Son maniement est enseigné ancestralement par des chamanes qui continuent encore de nos jours à faire perdurer cette pratique. Elle est reservée à des initiés arrivés à un niveau de conscience leur permettant, au cours de transes, de terrasser des démons internes, non de les tuer mais d’anihiler leur pouvoir maléfique. Le phurbu dans sa structure morphologique possède trois parties spécifiques. La partie supérieure est la plus part du temps composée de trois têtes qui expriment trois émotions fondammentales, la joie, le dégoût et la serénité... La partie médiane est assimilée au dorje bouddhiste ou au vajra hindhou (représentant la foudre) que l’on retrouve dans la mythologie gréco-latine. Elle est constitue d’entrelassements complexes pourvant représenter des divinités, des animaux mythiques ... La partie inférieure est la lame du phurbu. Cette lame est composée de trois faces, chacune a une signalétique propre." (Editions Tiphaine)

Phurpa est un collectif de cinq russes.
Réunis par l'intérêt communs des musiques rituelles anciennes, ils portent un projet vivant, consacré aux cérémonies spirituelles tibétaines, aux chants gutturaux spécifiques et aux instruments traditionnels.
A la première approche, on ne fait qu'effleurer ce qui se passe. Mais c'est en persistant que les vrais tensions apparaissent : au-delà d'une cérémonie, on extrait, hors de l'espace/temps, une dimension désacralisée.
L'intention, portée hors des temples, dans des lieux de création, s'anime d'une toute autre vision : celle d'un monde intérieur en introspection où l'on refond tous les silences.
Une façon de se hanter soi-même pour mieux réapparaitre à la lumière.

Phurpa
Phurpa Bandcamp

The Tree Ring

photography by Natalie Kardos


The Tree Ring est une formation folk orchestrale américaine, originaire de San Diego.
Leurs compositions ciselées, soutenues entre violon, harmonium, batterie délicate et guitare acoustique, nous transportent dans des contrées où Bonnie Prince Billy et Vincent Gallo ont déjà laissé leurs traces.
Des mélodies curieuses et mélancoliques.

Wore It Deep (The Tree Ring) from Destin Daniel Cretton on Vimeo.

The Tree Ring

Cesare Pavese

Sun Ra - A Joyful Noise

Je suis le petit chevalier

Je suis le petit chevalier est une galaxie, voire un univers à lui seul. Derrière cette phrase, une empreinte artistique, un pseudo, se trouve une artiste belge, musicienne, peintre et plasticienne Félicia Atkinson.
Aux frontières de l'expérience sonore, du psychédélisme et de l'ambient, Je suis le petit chevalier nous invite au voyage intérieur. Son prisme multiforme cristallise un monde iréel coloré.
Des contrées mystérieuses apparaissent sous une bruine de papillons dont les ailes frémissent, dans un océan de chuchotements.
Laissez-vous investir par cette magie et aller au gré des vents...

JE SUIS LE PETIT CHEVALIER: Frogs / Waters / Sisters from je suis le petit chevalier on Vimeo.

NO TALISMAN /JE SUIS LE PETIT CHEVALIER/ SARAH MOSK from je suis le petit chevalier on Vimeo.

Félicia Atkinson
Je suis le petit chevalier Bandcamp