VERS DU SILENCE

phønøn

2012-01-28T00:37:00.000+02:00

phønøn est l'oeuvre de Chris Hanis, artiste expérimentateur et agenceur de sons, basé à Seattle.
Au détour de ses voyages électroniques, synthétiques voire électroacoustiques, un panel de colorations sonores et musicales vient, tel un éventail, ventiller nos ouïes profondes.
Ce processus semble nous venir de loin, d'Harold Budd ou Brian Eno en passant par la vague planante allemande des seventies, et nous engage vers des contrées où rêveries et introspections forment deux parallèles qui se croisent à l'infini.

Transorbital by ph0n0n
Opening Salvo by ph0n0n

art for live performance @ jackstraw productions

phønøn MySpace
Soundcloud

Chausse Trappe

2012-01-25T00:21:00.000+02:00

violin : Clément Couturier
drums : Bastion Charpie
basses / guitars : Nico Joubo & Mériadeg Orgebin

"Noise, Krautrock, Musique Concrète et Trans Chaman sont les éléments plus particulièrement remarquables qui font l'alchimie du quatuor, le tout en récusant radicalement la séparation entre musique conceptuelle et musique populaire. Ici, on travaille classe, on réfléchit , mais surtout on donne, on donne tout... A l'arrivée il n'y a que le corps qui compte... Et il lui en faudra du courage à ce pauvre petit corps pour endurer tout ce qu'on lui fera subir pendant ce long voyage. Contrit , envoûté dans un balancement autiste, puis libéré, exultant toute la nervosité accumulée... Comme une bonne partie de cul somme toute, qui dure, dure et n'en finit plus. Trop accaparant pour certains, délicieux pour les autres. C'est selon qu'on accepte ou pas de perdre le contrôle, et le contrôle, ils le prendront de toutes façons. Ça s'appelle un piège." (Kythibong)

Chausse Trappe from lagaterie.e2c on Vimeo.

Chausse Trappe "420m3-37'14'' "

photo : Rémi Goulet

Chausse Trappe

ANONYMOUS

2012-01-24T10:12:00.000+02:00

RéZoCitoyen

Le Club Des Mangeurs De Disques

2012-01-17T01:55:00.001+02:00

Depuis presque un an, Jimmy Jimmereeno, animateur du blog "Le Club Des Mangeurs De Disques", nous présente, de façon quotidienne, des albums, des classiques, des découvertes, des inattendus, des joyaux.
Avec sa plume bien à lui, il nous invite à voyager dans les allées baroques de sa discothèque.
De façon ludique et créative, Jimmy propose, en février, de participer à un grand jeu où bloggers et bloggeuses sont attendus avec leurs précieux disques prêts à être dévorer.
Quelques explications s'imposent.

GRAND JEU SANS FRONTIÈRE DES BLOGGERS MANGEURS DE DISQUES !!! (DEUXIEME EDITION)

"La première édition dépassa toutes nos espérances et nous en profitons pour remercier une fois encore tous les participants et tous les commentateurs. Nous n'avons reçu que des félicitations pour l'organisation de ce jeu, mais, si tout le monde en a été heureux, nous avons tous fini épuisé, alors, pour y remédier, nous avons décidé que cette deuxième édition se tiendrait sur quinze jours, avec un post tous les deux jours ; cela devrait permettre aux cadences d'être moins infernales.
Les inscriptions sont ouvertes dès aujourd'hui en écrivant à l'adresse du Club : mangeur.de.disques@gmail.com
Vous recevrez les sujets (concoctés par mézigue avec l'aide précieuse de LRRooster) par retour de courrier.
Soyez nombreux, soyez fous ! Vous avez un petit mois pour préparer vos splendeurs!
A très vite..." (Jimmy Jimmereeno)

Le Club Des Mangeurs De Disques

Slussenanalys

2012-01-15T00:59:00.000+02:00

L'habit ne fait pas le moine.
A première vue, Slussenanalys ressemble à tous ces groupes métaleux nord-européens, look viking inclus (cf le chanteur à barbe, Esko Lönnberg) !
A l'écoute, l'ouïe s'embrase. Un son lourd, une batterie cadencée... Sommes-nous dans les seventies d'un punk ou d'un noise rock fertile ou bien est-ce un descendant de la dynastie AC/DC croisé Sonic Youth ?
Qu'importent ces vents du nord venant de Suède, l'énergie électrique véhiculée par ces cinq garçons est comme un flambeau qui nous ramène à l'essentiel.

Esko Lönnberg: vocals
Tuomas Laurila: drums
Mika Raekivi: guitar
Jussi Lehtisalo: guitar
Eetu Henttonen: bass

Slussenanalys by Ektro Records

Ektro Records

Andrzej Pawlowski

2012-01-13T13:19:00.000+02:00

Andrzej Pawłowski (1925-1986)

"Artiste, théoricien de l’art (peinture, sculpture, architecture, photographie, films, design). Après des études dans le département des Eaux et Forêts à l’Université Jagiellonski de Cracovie et des études en architecture intérieure à l’Académie des Beaux-Arts de Cracovie (1944-50), il devient enseignant aux Beaux-Arts en 1963 et crée le premier département de Formes industrielles – Design – en Pologne. Il reste directeur de ce département jusqu’en 1970, et de 1981 jusqu’à sa mort en 1986. Il formule une théorie des « formes constituées naturellement » (où l’action de différentes forces sur les matériaux les conduisent à prendre une forme résultant de leur structure interne – moulages de sacs, écrasement de matériaux...), qu'il applique, à la fois dans son art et dans l'enseignement du design. En 1963-64, il crée les « Stymulatory Wrazen Nieadekwatnych » (stimulateurs de sensations inadéquates), sculptures-matériaux parfois mobiles, cachées dans des boîtes en carton et exploitables tactilement à travers des trous-manches. Ces objets sont accompagnés de différentes images-situations, par exemple une bougie allumée, des éléments tranchants-piquants, des morceaux de verre... inadéquatement associés aux éléments contenus dans les cartons. En 1966, il énonce sa « Conception des pôles énergétiques », comme alternative au concept d’expérience esthétique. Selon cette conception, l’artiste génère, crée et porte un pôle énergétique spécifique, résultat d’un processus de création, qui n’est pas matérialisable sous forme de tableaux, sculptures, partitions." (Archée/cyberart/cyberculture artistique)

Wikipedia

"Déjà là" d'Arnaud Michniak

2012-01-10T23:54:00.000+02:00

Texte
Arnaud Michniak

Mise en scène et chorégraphie
Aurélia Guillet
à partir d’entretiens et d’improvisations

avec
Maud Hufnagel, Judith Morisseau, Laurent Papot, Hakim Romatif

Création à la Colline,
Petit Théâtre

du 19 Janvier 2012
au 18 février 2012

durée 1h30

du mercredi au samedi à 21h,
le mardi à 19h et le dimanche à 16h

«C’est comme si on m’avait confisqué mon histoire et qu’on me la racontait. On me la raconte et j’ai l’impression que c’est d’un autre qu’on parle.»

Arnaud Michniak & Hakim Romatif

"Une soirée agitée entre amis, où le contexte politique pousse chacun dans ses retranchements, entre urgence et incapacité à agir. La tension monte, l’une d’entre eux part. Un homme et une femme, à la veille de s’engager, se disent leur amour. Leur cheminement amoureux entre en résonance avec la crise collective. Au bout de la nuit, les voici tous au seuil d’un nouveau commencement. Ils veulent parvenir à se regarder et avancer sans masque, malgré un futur incertain. Aurélia Guillet, qui a mis en scène Müller, Kleist et Strindberg, a cette fois voulu partir d’entretiens et d’improvisations, avec son groupe d’acteurs et l’auteur Arnaud Michniak, tous nés dans les années soixante-dix, pour interroger leur génération comme miroir de notre époque : impression de ne pas pouvoir être dans une parole commune, mais de ressentir communément, bien que confusément, une sorte de malaise historique, sentiment d’être sans cesse au bord de quelque chose, d’un étrange commencement, entre lucidité et refus du renoncement..." (La Colline, Théâtre National)

Déjà là / A. Michniak / présentation de saison par www-colline-fr

La Colline, Théâtre National
Ici d'Ailleurs
Image 1/2 - Aurélia Guillet

Karel Appel

2012-01-08T17:53:00.000+02:00

"Karel Appel né le 25 avril 1921 à Amsterdam, mort le 3 mai 2006 à Zurich, inhumé au cimetière du Père-Lachaise (division 22), était un peintre néerlandais, cofondateur du groupe CoBrA.
Il a étudié au Rijksakademie van beeldende kunsten d'Amsterdam entre 1940 et 1943, et a commencé à exposer en 1946. Il tire ses influences de Pablo Picasso, Henri Matisse et Jean Dubuffet. Il rejoint le Nederlandse Experimentele Groep, puis le mouvement CoBrA en 1948, avec Corneille, Constant, Asger Jorn, Jan Nieuwenhuys et Christian Dotremont.

The Reality of Karel Appel. from Keith Fullerton Whitman on Vimeo.

En 1950, il va à Paris, et développe une réputation internationale en voyageant au Mexique, aux États-Unis, en Yougoslavie et au Brésil.

Il a fait ses études à l'Académie Royale des Beaux-Arts à Amsterdam.

Sa première exposition se fit en 1946 à Groningen aux Pays Bas, puis notamment par la suite aux Palais des Beaux Arts de Bruxelles (1953), a la Martha Jackson Gallery à New York (1954) à la Galerie Rive Droite a Paris (1955-1956), en 1968 au Centre d'Art Contemporain de Paris, au Centraal Museum (Retrospective), Utrecht, Pays-Bas (1970), au Musée d'Art Contemporain de Monréal (1972), au New York Cultural Center (1973), à la Wildenstein Gallery (Londres) et à la Fuji Television Gallery (Tokyo) 1975, Museo de Arte Moderno (retrospective), Mexico city (1977), à Paris Art Center (1988) au National Museum of Art, Osaka et à l'Hiroshima City Museum of Contemporary Art (1989), à la Fundacion Juan Miró, Barcelone (1990), au National Museum of Comtemporary Art, Séoul (1994), à la Galerie Lelong, Paris (2001, 2009), au Cobra Museum, Amstelveen (2005)" (Wikipedia)

Musique Barbare van Karen Appel

"Un tableau n'est plus une construction de couleurs et de traits, mais un animal, une nuit, un cri, un être humain. Il forme un tout indivisible" (Karel Appel)

Karel Appel Foundation

Einstürzende Neubauten - Halber Mensch / 1/2 Mensch (1985)

2012-01-07T04:06:00.000+02:00

La peinture de Serge Reggiani

2012-01-03T23:58:00.000+02:00

"Peindre me repose, me relaxe. je peins dans le silence. C'est quelque chose qui m'échappe... Je suis peintre non figuratif et parfois le contraire, j'ai commencé à peindre un jour par hasard à Mougins. J'aime surtout la sensualité de la peinture qui s'étale sur une toile blanche"

"Avec mes larmes avec mon sang
Et l'encre rouge et bleue de ma mémoire

Avec des films en noir et blanc
Avec des femmes en blanc et noir
Avec le grand pinceau du temps
Et la palette de mon désespoir
Avec la toile que me tend
Le grand absent des reposoirs

Je peins ma vie comme je peux
Je peins ma vie comme elle vient
Excusez-moi du peu Je peins !"

Serge Reggiani - site officiel

HAPPY NEW YEAR

2012-01-01T17:21:00.000+02:00

Monsieur Manatane

2011-12-31T14:50:00.000+02:00

Wikipedia

John Cage

2011-12-30T01:19:00.000+02:00

"Élève de Schönberg, John Cage s'est illustré comme compositeur de musique contemporaine expérimentale et comme philosophe. Il est également reconnu comme l'inspirateur du mouvement Fluxus, du groupe espagnol ZAJ et des expérimentations musicales radicales qui accompagnaient les chorégraphies de la Merce Cunningham Dance Company. Il y a d'ailleurs occupé la fonction de directeur musical puis de conseiller musical jusqu'à sa mort en 1992.

En 1935, faute de place pour pouvoir utiliser des instruments de percussions pour les besoins d'une œuvre destinée à accompagner une chorégraphie de Syvilla Fort, Cage crée sa première pièce pour piano préparé. Cette idée lui a en fait été suggérée par Henry Cowell, dont il fut l'élève en 1934, et qui faisait déjà de nombreuses expériences dans ce sens depuis les années 1910 (The Banshee, 1917). Cage fut très influencé par le livre New Musical Resources écrit par Cowell avec l'aide d'un professeur de Stanford à partir des leçons du professeur Charles Seeger.

Cage composa de nombreuses pièces pour piano préparé dont les Sonates et interludes, où le pianiste doit insérer de manière précise entre certaines cordes du piano des objets divers comme des boulons ou des gommes servant à en transformer le son.

L'étrangeté de ses compositions laisse transparaître l'influence du compositeur Erik Satie, auteur en son temps incompris de compositions très originales, comme les ésotériques Gnossiennes ou les très sobres et célèbres Gymnopédies. Cherchant à épurer sa musique, il eut la particularité d'écrire ses œuvres sans ponctuation musicale, laissant au pianiste comme seules indications des descriptions d'atmosphère au lieu des traditionnelles nuances

L'une des œuvres les plus célèbres de John Cage est probablement 4′33″, un morceau où un(e) interprète joue en silence pendant quatre minutes et trente-trois secondes. Composée en trois mouvements devant cependant être indiqués en cours de jeu, l'œuvre a été créée par le pianiste David Tudor. L'objectif de cette pièce est l'écoute des bruits environnants dans une situation de concert. Cette expérimentation découle de l'importance qu'accordait John Cage à la pensée de Henry David Thoreau. Ce dernier relate dans son « Journal » qu'il est plus intéressant d'écouter les sons de la nature, le son des animaux et le glissement furtif des objets animés par les éléments naturels par le vent que la musique préméditée par l'intention d'un compositeur1. 4′33″ découle aussi de l'expérience que Cage réalise dans une chambre anéchoïque dans laquelle il s'aperçut que "le silence n'existait pas car deux sons persistent" : les battements de son cœur et le son aigu de son système nerveux. Comme le dit Yōko Ono, John Cage « considérait que le silence devenait une véritable musique ». À partir de cette période, toutes les compositions de Cage seront conçues comme des musiques destinés à accueillir n'importe quel son qui arrive de manière imprévue dans la composition. Cage prétendait que l'une des composantes les plus intéressantes en art était en fait ce facteur d'imprévisibilité où des éléments extérieurs s'intégraient à l'œuvre de manière accidentelle2. Il considérait la plupart des musiques de ses contemporains «trop bonnes car elles n'acceptent pas le chaos»3. À partir de cette époque, il compose des musiques uniquement fondées sur le principe d'indétermination en utilisant différentes méthodes de tirage aléatoire dont le Yi-king. Le mot « aléatoire » doit s'entendre chez John Cage, en anglais, comme chance et non pas random.

Le travail de John Cage s'appuie sur la recherche et l'expérimentation. Il fut lauréat du Prix de Kyōto en 1989. Après son divorce en 1948, John Cage a partagé sa vie durant 50 ans avec le chorégraphe Merce Cunningham." (Wikipedia)

John Cage

Alfreda Benge

2011-12-21T00:38:00.000+02:00

Alfreda Benge par John Bratby

Alfreda Benge, née en 1940, est une artiste britannique, peintre, illustratrice et parolière. Epouse et compagne de route de Robert Wyatt (batteur de Soft Machine), elle est à l'origine de son travail solo.
Active à ses côtés par son apport visuel mais, également, par de magnifiques textes, elle a su par sa vision valoriser la voix/voie unique de Robert Wyatt.

"En 1974, nous découvrons Rock Bottom, une pochette déconcertante avec son crayonné de gris, une illustration paisible et oppressante à la fois. L'album sortira le jour du mariage entre Alfie et Robert.
Alfreda Benge y est créditée pour la pochette ("Cover by Alfreda Benge") mais aussi comme "Voice" sur le second morceau de la face B dont le titre lui est dédié: Alifie.

Par la suite, Alifie signera la plupart des pochettes de la carrière solo de Robert Wyatt.
Sur Dondestan, Alifie sera la parolière de nombreux morceaux (Sight Of The Wind, Shrinkrap, Catholic Architecture, Costa, Worship).

Sur les albums suivants (Shleep, Cuckooland) la collaboration entre Alifie et Robert sera plus forte encore:

"Ce disque (Shleep) est le fruit d'une totale collaboration entre ma femme et moi : elle a écrit des poèmes, dessiné la pochette, choisi la typographie, l'ordre des morceaux.
Pour moi, rien n'est plus important que ce duo, ce groupe que nous formons. Je suis peut-être vieux jeu, mais je ressens chaque jour le besoin de justifier la raison pour laquelle je l'ai épousée. Elle n'a qu'une vie et elle me l'a consacrée. Si je gâchais mon existence, je gâcherais la sienne aussi. Et ça, c'est une idée que même la musique ne pourrait me faire supporter..."
(interview R.W. in Télérama 1997).

Alfreda Benge a également réalisé des pochettes d'albums pour d'autres musiciens tels que Fred Frith ou Annette Peacock, toujours dans ce style naïf et intriguant que nous lui connaissons maintenant bien. Elle a aussi exposé à plusieurs reprises mais je ne dispose (pour l'instant) d'aucune copie de ses travaux extra-discographiques." (Une discographie de Robert Wyatt)

Wikipedia
Robert Wyatt and stuff

Kris Barberg

2011-12-19T20:56:00.000+02:00

Psalm 51 de Kris Barberg est un court métrage expérimental 16 mm en noir et blanc.
Rythmé par une composition originale de Peter Shu, un fil conducteur d'une danse improvisée, entrecoupée d'images, de clichés, qui nous ramènent à la photographie, portent ce film vers un temps qui passe.
Apparitions et disparitions s'enchainent et se déchainent : paysages, ombres, vie en mouvement...
Dans une aventure intérieure cyclique, ce psaume visuel est une ôde à la prunelle de nos yeux.

Psalm 51 is a black and white experimental film shot on 16mm, combining elements of improvisational modern dance and cinematic composition. Set to a percussive soundtrack, a dancer interprets the themes of despair, hope and forgiveness.

Subliminal

2011-12-19T19:49:00.000+02:00

Chomo

2011-12-13T01:02:00.000+02:00

Roger Chomeaux dit Chomo pouvait paraître comme un drôle d'oiseau mais ce fût un des rares artistes à avoir été au bout de son art et de son univers.

Je l'ai découvert au travers d'une émission, La 25ème Heure, diffusée vers minuit sur Antenne 2, il doit y avoir une quinzaine d'années.
Un documentaire, portrait de l'artiste.
Iconoclaste, expérimentateur, sans concession, il faisait vivre l'art brut avec le bois brûlé, la scultpture avec une approche intuititive et portait une réflexion singulière sur l'homme, l'art, la création.

Loin des galeries parisiennes et de la Société du Spectacle, Chomo entretenait une vie simple d'une rare authenticité au regard de son discours et de son franc-parler.

Chomo

Dead People

2011-12-12T13:44:00.002+02:00

Bien singulière découverte que ces Dead People.
Une véritable machine à voyager dans le rock : ça fuzz sur quelques accords punk-garage sixties, ça sature... et nous voilà tombé sur un clône (clown ?) des Cramps et de Sonic Youth ! On dirait parfois Jesus - pas celui de Nazareth - mais des Mary Chains...
Originaires de New Orleans, Alex (drums), Connor (synth), Jasper (guitar) et Brett (guitar/vox) nous fabriquent une bande son pour films underground, lo-fi, triturée et directe. A faire pâlir un zombie !

swamp gays by deadpeople

Facebook

Merkabah

2011-12-04T02:42:00.002+02:00

Aleks - bass
Gabriel - guitar, photography
Kaniak - visuals, live vj
Kuba - drums, percussion, visual design
Rafał - saxophone

Merkabah est un groupe créée fin 2007 à Varsovie, Pologne.
Leur univers se nourrit de psychédélisme, de métal, d'expérimentations aux riffs agressifs, d'improvisation et de rythmes tribaux. Une teinte post-rock progressive souligne l'ensemble.
On pense parfois à John Zorn et surtout aux productions Tzadik.
Pas un hasard quand on sait que le nom du groupe a à voir avec la kabbale et indique que "(...)l'atteinte des firmaments les plus élevés peut se faire à base de sonorités et de prières lancinantes et répétitives (...)(Wikipedia)".

A Lament For The Lamb by Merkabah

Lyonesse by Merkabah

Assonance records

A l'ombre du Bois d'Arcy : Frustration / Cheveu (Born Bad records)

2011-12-04T00:25:00.000+02:00

"Le 7 octobre 2010, à l’initiative du Service Pénitentiaire d’Insertion et de Probation (SPIP), Cheveu et Frustration, deux groupes phares du label Born Bad Records, sont invités à jouer pour les détenus de la Maison d’arrêt de Bois D’Arcy. Une rencontre entre deux mondes et les tensions qui vont avec, dans ce mini-doc, signé par un ancien camarade et ami réalisateur/monteur du petit écran, Matthieu Brunel.
Précisons que l’établissement fondé en 1980, reçoit les prévenus donc, ainsi que les condamnés dont le reliquat de peine n’excède pas, en principe, un an lors de leur condamnation définitive. Ce n’est pas exactement le concert de Johnny Cash en 69 à la prison californienne de St Quentin, tant un univers sépare nos invités de leur public (ironie du sort, le pénitentier de Bois D’Arcy est sur la même route qu’une autre commune des Yvelines… St Quentin). Imaginez le tableaux: d’un côté, Cheveu, trio lo-fi iconoclaste auteur du plus beau bidouillage punk de l’année avec leur album 1000. A leurs côtés, Frustration, formation parisienne hantée par le fantôme de Ian Curtis. Et face à eux, un public de détenus en attente de jugement.

Les deux groupes reviennent sur cette journée un peu spéciale, et les difficultés à transmettre l’énergie Rock’n'Roll à une audience pas tout à fait programmée pour les écouter." (Source : The Drone website)

Born Bad

Paul Metzger

2011-12-03T16:04:00.002+02:00

« (…) la frénésie discographique de Paul Metzger (presque sept albums de 2005 à 2009) aurait pourtant pu ne jamais se mettre en branle. Elle est une trace tardive et inattendue d’une pratique de la musique et du bricolage qui pendant quasi vingt ans est à peine sortie de son atelier et du cercle privé et familial. Pendant tout ce temps, Paul Metzger a construit et perfectionné à partir d’instruments de musique existants et de pièces détachées faciles à se procurer dans son environnement nord américain, une série d’instruments mutants qui devaient lui permettre de jouer ses relectures personnelles des musiques indiennes et afghanes qu’il aimait tant écouter. il y a, d’abord, une guitare peinturlurée, munie d’une grande cymbale montée perpendiculairement au manche à l’autre bout de la caisse de résonnance et sertie d’une série de boites à musique trafiquées (une série d’ergots étant limés pour que la mélodie initiale – souvent ultra-connue – du petit gadget mécanique ne soit plus reconnaissable). puis, surtout (parce que ses sonorités sont encore plus étonnantes), un banjo modifié qui, au fil des ans, s’est vu gratifier d’une petite vingtaine de cordes supplémentaires – quasi exclusivement des cordes sympathiques non directement jouées mais amenées en vibration par résonance – passant ainsi de cinq à vingt-trois cordes. (…) » (Globe Glauber et la médiathèque)

ISSUE @ 110 Livingston: Jozef van Wissem (Paul Metzger excerpt) from Damian Calvo on Vimeo.

PAUL METZGER MONOTONY from Andy Roche on Vimeo.

Paul Metzger

Cary Ann Hearst & Michael Trent / Shovels and Rope

2011-11-27T13:56:00.000+02:00

Duo américain, Cary Ann Hearst & Michael Trent (connu également sous le nom de Shovels and Rope), nous entraine entre folk et country.
Deux voix, une ou deux guitare(s), un harmonica et un combo minimal batterie fait maison.
Sur les traces de Woody Guthrie, Bob Dylan ou Townes Van Zandt, avec la simplicité et le décor qui est le leur, ils prennent la route 66 pour des balades nomades.
Un autre regard sur le rêve américain, touchant, enraciné et pourtant intemporel.

Cary Ann Hearst & Michael Trent - The Thread from The Moving Picture Boys on Vimeo.

Cary Ann Hearst & Michael Trent - Forsaken Blues from The Moving Picture Boys on Vimeo.

Cary Ann Hearst & Michael Trent - Boxcar from The Moving Picture Boys on Vimeo.

Official Website
nyctaper - New York’s live music archivist

X

2011-11-26T20:32:00.000+02:00

Steve Cafiero - drums
Ian Rilen - bass
Stephen Lucas - vocals, guitar

"X is an Australian punk rock band, formed in Sydney in 1977 and led by the late Ian Rilen. The band has split and reformed several times.

Although X has had several members, its sound has been defined by two distinctive elements: Rilen's basslines and Steve Lucas's guitar. Drummer Cathy Green has also been a frequent member of the band since 1984.

Rilen was also a founding member of bluesy hard rockers Rose Tattoo. During X's first hiatus (1980–83), he formed the post punk outfit Sardine v, with his then wife, Stephanie Rilen. As of 2004, Rilen had settled on a fairly stable line up of his current project, Ian Rilen & the Love Addicts, who included Cathy Green on bass. The band have also issued a CD, "Passion Boots & Bruises." (Wikipedia)

Don Pullen

2011-11-26T13:00:00.000+02:00

"Don Gabriel Pullen est un pianiste de jazz né à Roanoke (Virginie) le 25 décembre 1941 , mort à East Orange (New Jersey) le 22 avril 1995.

Né dans une famille de musicien, son père, prêtre, est aussi guitariste, danseur et chanteur. Il étudie le piano à l'âge de dix ans, chante du gospel à l’église et se produit dans des groupes locaux de «Rhythm and Blues» .

Il étudie au Johnson C. Smith college de Charlotte (en Caroline du Nord) de 1959 à 1963. Il abandonne ses études pour se consacrer entièrement à sa vocation de musicien. Il s’installe à Chicago où il y fait l’une des rencontres décisive de sa vie (1964) : le pianiste et membre fondateur de l'AACM Muhal Richard Abrams.

A New York il fait la connaissance de Giuseppe Logan qui lui fait faire ses débuts phonographiques (toujours en 1964) et avec qui, l'année suivante, il joue en quartet à Town Hall. En 1966, il monte un duo avec le percussionniste Milford Graves ancien partenaire de G. Logan . Il monte alors ses propres groupes pour accompagner des chanteurs de Rhythm and Blues: (Big Maybelle, Ruth Brown) et auto-produit plusieurs disques. Il participe au mouvement free jazz tout en jouant de l'orgue dans des groupes soul jazz pour subvenir à ses besoins.

Entre 1965 et 1972, il monte et dirige des trios instrumentaux dont font partie, entre autres : Roland Prince, Tina Brooks, Al Deares.

A cette époque on peut aussi l'entendre avec le saxophoniste Charles Williams, la chanteuse Nina Simone (1970 - 1971). En 1973, il intègre le quintet de Charles Mingus avec lequel il effectuera plusieurs tournées européennes . Ce sera, pour lui, l'occasion de se faire réellement remarquer ("Moves", "At Carnegie Hall", "Changes One", "Changes Two"). En 1974 il fera un bref passage chez Art Blakey avant de jouer sous son nom, particulièrement en Europe ou il se produira presque chaque année, de 1976 à 1979.

Après de nombreuses collaborations (avec notamment les saxophonistes Sam Rivers et Hamiett Bluiett) il participera au 360° music experience du batteur Beaver Harris. À partir de 1979 (et ce pratiquement jusqu’en 1988), il va co-diriger un quartet avec le saxophoniste George Adams incluant Dannie Richmond (connu chez Charles Mingus) et le bassiste Cameron Brown. À la mort de Dannie Richmond en 1988, ce dernier est remplacé par Lewis Nash qui quitta le groupe quelques mois plus tard. Don Pullen se produit alors en trio et même en solo. En 1990, au « Yellow Spring Institute » à Chester Springs, qu’il fonde son fameux «African Brazilian Connection » avec le saxophoniste Carlos Ward, le percussionniste sénégalais Mor Thiam et deux musiciens brésiliens : le bassiste Nelson Matta, le percussionniste Guihlerme Franco. Dans les années 80, on le rencontre avec Jane Bunnett. Puis à la fin de sa carrière il se produit à Orgue Hammond au côté de John Scofield («Live 3 ways» (en 1990) , avec Maceo Parker («Roots Revisited» sorti en 1990 et rééditié en 2000). À partir de 1991, il participe au quartet du saxophoniste David Murray." (Wikipedia)

Don Pullen

Phurpa

2011-11-22T01:24:00.000+02:00

"Le phurpa chamaniste est un outil thérapeutique employé par des chamanes himalayens en vue de guérir une maladie physique ou psychique, ou d’exorciser des cas de possession. Son maniement est enseigné ancestralement par des chamanes qui continuent encore de nos jours à faire perdurer cette pratique. Elle est reservée à des initiés arrivés à un niveau de conscience leur permettant, au cours de transes, de terrasser des démons internes, non de les tuer mais d’anihiler leur pouvoir maléfique. Le phurbu dans sa structure morphologique possède trois parties spécifiques. La partie supérieure est la plus part du temps composée de trois têtes qui expriment trois émotions fondammentales, la joie, le dégoût et la serénité... La partie médiane est assimilée au dorje bouddhiste ou au vajra hindhou (représentant la foudre) que l’on retrouve dans la mythologie gréco-latine. Elle est constitue d’entrelassements complexes pourvant représenter des divinités, des animaux mythiques ... La partie inférieure est la lame du phurbu. Cette lame est composée de trois faces, chacune a une signalétique propre." (Editions Tiphaine)

The Sound of Dakini Laughter by Phurpa

Phurpa est un collectif de cinq russes.
Réunis par l'intérêt communs des musiques rituelles anciennes, ils portent un projet vivant, consacré aux cérémonies spirituelles tibétaines, aux chants gutturaux spécifiques et aux instruments traditionnels.
A la première approche, on ne fait qu'effleurer ce qui se passe. Mais c'est en persistant que les vrais tensions apparaissent : au-delà d'une cérémonie, on extrait, hors de l'espace/temps, une dimension désacralisée.
L'intention, portée hors des temples, dans des lieux de création, s'anime d'une toute autre vision : celle d'un monde intérieur en introspection où l'on refond tous les silences.
Une façon de se hanter soi-même pour mieux réapparaitre à la lumière.

Phurpa
Phurpa Bandcamp

The Tree Ring

2011-11-21T21:37:00.000+02:00

photography by Natalie Kardos

The Tree Ring est une formation folk orchestrale américaine, originaire de San Diego.
Leurs compositions ciselées, soutenues entre violon, harmonium, batterie délicate et guitare acoustique, nous transportent dans des contrées où Bonnie Prince Billy et Vincent Gallo ont déjà laissé leurs traces.
Des mélodies curieuses et mélancoliques.

Generous Shadows by The Tree Ring

Wore It Deep (The Tree Ring) from Destin Daniel Cretton on Vimeo.

The Tree Ring

Cesare Pavese

2011-11-20T12:14:00.000+02:00

Sun Ra - A Joyful Noise

2011-11-18T01:17:00.000+02:00

Je suis le petit chevalier

2011-11-12T12:14:00.000+02:00

Je suis le petit chevalier est une galaxie, voire un univers à lui seul. Derrière cette phrase, une empreinte artistique, un pseudo, se trouve une artiste belge, musicienne, peintre et plasticienne Félicia Atkinson.
Aux frontières de l'expérience sonore, du psychédélisme et de l'ambient, Je suis le petit chevalier nous invite au voyage intérieur. Son prisme multiforme cristallise un monde iréel coloré.
Des contrées mystérieuses apparaissent sous une bruine de papillons dont les ailes frémissent, dans un océan de chuchotements.
Laissez-vous investir par cette magie et aller au gré des vents...

Discovering Mathematics 2 (no kings) by je suis le petit chevalier

A Shelter in Bolinas (digitalis) by je suis le petit chevalier

JE SUIS LE PETIT CHEVALIER: Frogs / Waters / Sisters from je suis le petit chevalier on Vimeo.

NO TALISMAN /JE SUIS LE PETIT CHEVALIER/ SARAH MOSK from je suis le petit chevalier on Vimeo.

Félicia Atkinson
Je suis le petit chevalier Bandcamp

Daniel Darc, une étoile dans la nuit

2011-11-03T00:30:00.000+02:00

Daniel Darc Officiel FB

Tristan Perich

2011-10-26T22:36:00.001+02:00

"Compositeur contemporain et artiste sonore new yorkais, Tristan Perich travaille essentiellement en utilisant des sons 1 bit pour créer des micro-symphonies digitales, intégrant souvent nombreux médias afin d’influencer l’œil autant que l’oreille. Inspiré par l’esthétique des mathématiques et de la physique, Perich travaille avec des formes simples et des systèmes complexes, dans le but de défier l’élégance de l’acoustique et de la musique électronique. Ses compositions pour solistes, ensembles et orchestres ont été joués au niveau international, notamment par les réputés Bang on a Can, Calder Quartet ou Meehan/Perkins..." (MUTEK 2011)

Tristan Perich - Impulse Manifold (Issue Project Room) from Tristan Perich on Vimeo.

Tristan Perich: 1-Bit Symphony (Part 1: Overview) from Tristan Perich on Vimeo.

"Le "1-bit symphony"de Perich est à la fois une oeuvre sonore, du physical computing et du design. Un boitier CD de modèle fin, transparent, laissant voir quelques composants soudés à la main, alignés à intervalles réguliers : une pile, un interrupteur, une puce, un bouton à presser, un potentiomètre et une prise minijack collée au bord droit du boitier. On y place une paire d’écouteurs, on glisse l’interrupteur sur "on" et un flot sonore s’écoule, soutenu, repétitif mais structuré. Des nappes sonores qui rappellent certaines pièces de Steve Reich ou John Adams. On y retrouve des patterns, des syncopes, des boucles et des permutations. On est en fait plutôt étonné, vu le minimalisme de l’objet, d’y trouver de la musique. C’est que la pièce relève de ce que l’on appelle le "chiptune", elle est produite directement par la puce électronique, modulant du son uniquement en ouvrant et coupant l’alimentation électrique à très grande vitesse." (Arts Numériques)

Tristan Perich

Etienne O'Leary

2011-10-23T23:54:00.001+02:00

Etienne O'Leary
peintre, musicien, cinéaste québécois (1944-2011)

"Figure de proue de l'underground et initiateur d'un nouveau language cinématographique, les images évanescentes et incandescentes du cinéma de O'Leary ont été tournées à Paris dans l'effervescence de la deuxième moitié des années soixante. Y apparaissent de nombreux acolytes lumineux tel Pierre Clémenti, Jean-Pierre Bouyxou et Pierre Molinier." (ICPCE)

THE END
TENZIER
LE VIEUX MONDE QUI N'EN FINIT PAS
NEOSPHERES

Nobuyasu Furuya trio

2011-10-22T22:36:00.000+02:00

NOBUYASU FURUYA : saxophone ténor, clarinette basse, flûte.
HERNANI FAUSTINO : contrebasse.
GABRIEL FERRANDINI : batterie, percussions.

Black Bug

2011-10-22T21:41:00.000+02:00

"Ce duo suédois (Lily et Ruslav, sur scène accompagnés d’un batteur), qui avait déjà sorti quelques 7’’, a publié cette année son premier album, au visuel moins surprenant que la musique qu’il présente. Le disque démarre par « Razor Face », un curieux amalgame sonore sur lequel saturent différents éléments : les lignes de basse (jouées sur scène au clavier), qui sont l’élément indispensable à la tenue de la plupart des morceaux, mais aussi le chant strident, quasiment une constante sur ce disque.
Le style musical du groupe est relativement difficile à définir ; Black Bug se situe dans la grande mouvance post-punk, les influences new-wave à tendance bruitiste apparaissent comme les plus importantes pour ce groupe. Des boîtes à rythmes sont utilisées sur plusieurs morceaux, ajoutant un peu de froideur et de synthétique à des compositions déjà peu chaleureuses (« Well Well », « Mental Ray »). Ce premier album propose aussi des bidouillages sonores à la limite du kitsch, mais qui ne manquent pas d’un certain charme désabusé (« I’ve got eyes », « Fell In love with », « Mental Ray »). 
Les solos de guitares bruitistes, joués dans les aigus, sont sur le disque en alternance avec des boucles de quelques notes abrutissantes à souhait (notamment « Unicorn » ou « Run », proprement traumatisants). Le chant est partagé entre les deux membres du groupe, Lily et Ruslav ; à ce titre, il est à la fois inquiétant et réjouissant de constater que la fille hurle avec beaucoup plus de hargne et de violence que son collègue (« Fell in love with », « Unicorn »). Au lieu de servir de repos et d’apporter un peu d’air frais, les quelques interludes instrumentaux, généralement plus lents que les autres morceaux, ajoutent encore à l’ambiance glauque de l’ensemble (« Mental Ray », « Untergang »).

 
Ce disque est d’une densité remarquable et se distingue par une remarquable unité : aucun morceau ici qui ne soit de trop, malgré l’approche délibérément lo-fi qui se transforme en handicap pour de trop nombreux groupes. De plus, la brièveté des chansons (quinze pistes pour moins de 25 minutes de musique au total) rend impossible tout sentiment d’ennui ou de redite sur cet album. Black Bug prouve surtout, qu’au-delà du peu de moyens employés pour la réalisation de ce disque, ce groupe possède des compositions efficaces et une ascendance rock’n’roll qui ne se démentent pas – le dernier morceau, « Absorbing Hearts », en témoigne." (PlanetGong)

Black Bug Myspace music
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Alina Orlova

2011-10-15T22:18:00.002+02:00

"Alina Orlova (de son vrai nom Alina Orlovskaya, née le 28 juin 1988) est une chanteuse et musicienne lituanienne.

Alina Orlova compose ses propres chansons et interprète aussi celles d'autres compositeurs. Elle décline son inspiration et chante en trois langues : lituanien, russe et anglais.

En 2008 son premier album Laukinis šuo dingo (Le chien sauvage Dingo) tire son nom d'un livre scolaire russe de Ruvim Fraerman à propos de l'amour chez les adolescents. C'est aussi un jeu de mots : en lituanien dingo est aussi la troisième personne du singulier du verbe dingti (disparaître) ; le titre pourrait donc aussi se traduire par « le chien sauvage disparaît ».

En 2010, Alina Orlova sort son deuxième album, Mutabor." (Wikipedia)

Alina Orlova MySpace music

Entr’acte

2011-10-14T22:58:00.002+02:00

Petite chronique de la Société du Spectacle

2011-10-14T11:58:00.001+02:00

Dada, le cabaret voltaire

La notion de spectacle, au sens contemporain, prend sa genèse dans la réflexion globale de l'Internationale Situationnisme et, avec les travaux de Guy Debord, en particulier. Dada ayant posé les premières bases.

Ce regard sociétal dénonçant la dictature du spectaculaire (la société de consommation, les mass médias, l'argent et la religion, le pouvoir politique...) a donné place à des actions, des mouvements, des créations permettant d'élargir la réflexion en interrogeant le sens profond et métaphysique de la Vie.

Joseph Beuys Coyote, München, 1980

Autobiographie de l'actionniste viennois (les Presses du Réel)

Faire de sa Vie une oeuvre d'art

En dépassant le cadre restrictif et moralisateur du quotidien, l'individu peut, avec sa veine poétique, le transformer en un processus singulier qui le mènera au plus près de son épanouissement total.

Ainsi, c'est en ces choix, philosophique et politique, qualifiés fréquement d'utopistes, que certains artistes, militants ou blogueurs aujourd'hui, transforment, détournent ou réinventent, à partir de modes de communications nombreux et divers, une forme d'expression artistique et/ou politique.
Une quête de sens, dans cette Société du Spectacle nourrie de compétitivité et d'individualisme sur fond d'un monde gangréné par le capitalisme.

Agent Réel - Programme from Florent Tarrieux on Vimeo.

Quelques liens intéressants sur Wikipedia :
Dada
Guy Debord
Internationale Situationniste
Fluxus
Actionnisme viennois
Mouvement des Indignés

Dani Joss

2011-10-09T20:04:00.000+02:00

"Dani Joss est bien un fabricant, un créateur de forme(s), comme l'indique le titre du disque. Aucune forme préétablie, reconnaissable, ne structure des morceaux qui évoluent enveloppés de silence. Des sons surgissent et s'ordonnent dans l'espace, viennent offrir leurs textures, esquissent peut-être une histoire : apparitions, disparitions, dans un climat de hiératisme merveilleux, d'intense concentration. Rien d'appuyé, la sobriété est de mise, qui met en valeur le grain des instruments, la finesse de la mise en scène. Chaque morceau se fait incantation grâce à une véritable symbiose entre sons acoustiques et électroniques. C'est dire qu'il est malaisé de classer une telle oeuvre." (extrait de l'excellentissime blog, Inactuelles, musiques singulières)

Dani Joss

Ross Daly

2011-10-09T13:20:00.000+02:00

"Ross Daly (29 septembre 1952 à King's Lynn, Norfolk) est un compositeur et musicien poly-instrumentiste d'origine irlandaise. Fils d'ambassadeur, il a vécu très jeune en Afghanistan, au Japon et aux États-Unis, notamment. Il étudie le violoncelle et la guitare classique dès l'enfance. Il découvre et étudie la musique indienne avec la vague hippie. En 1975, il s'installe en Crète et apprend la musique crétoise à la vièle lyra crétoise avec Kostas Mountakis. Il s'initie aussi à la musique ottomane en Turquie. Il est aussi polyglotte (anglais, français, grec, turc).

Il joue professionnellement les instruments suivant : lyra, rabâb, tarhu, laouto, kemençe, oud, saz et tanbur. Il a fondé en 1982 le groupe Labyrinthe (avec Periklís Papapetrópoulos notamment). Depuis 2003 il développe une école de musique traditionnelle : le musical labyrinthe workshop. En 2004 il fut le directeur artistique du programme culturel des jeux olympiques à Heraklion. Connu mondialement, il a participé à de nombreux projets musicaux inédits par le métissage d'artistes ou d'instruments de traditions variées." (Wikipedia)

Ross Daly official website

La Dentellière de Claude Goretta (1977)

2011-09-09T09:21:00.004+02:00

Source : Les avant-dernières choses

Carte postale estivale

2011-08-20T16:07:00.000+02:00

Pord

2011-08-12T22:06:00.000+02:00

Sébastien Daudé : batterie et voix
Mike Paulhac : guitare et voix lead
Max Quintin : basse

"Crée fin 2002 au fin fond de la Lozère sous forme d’un trio, Pord travaille trois mois consécutifs et rentre en studio pour accoucher d’un premier album « N’importe où.. » qui sortira en septembre 2003. Ce disque aux couleurs rock progressif passera quasi-inaperçu dû aux départs successifs du bassiste puis du guitariste !

Mars 2006, après de multiples changements de line-up Pord se compose désormais de Max à la basse, Mike à la gratte et au chant lead et Seb à la batterie et chœurs.

Plusieurs mois de travail et d’introspection seront nécessaires au combo pour redéfinir ce que doit être le nouveau Pord et comment doit sonner la chose…

Pord ne se retrouvant pas musicalement sur les premières compositions, c’est naturellement que la musique du trio va évoluer et se diriger fortement vers quelque chose de bien plus brut et sauvage, une noise puissante évoquant assez souvent des groupes référents comme DAZZLING KILMEN, UUNSANE, BREACH ou encore les français de TANTRUM.

Compositions aux structures complexes et au côté lancinant et hypnotique qu’affectionne le trio, rythmiques tantôt lourdes et puissantes tantôt alambiquées le tout soutenu par des voix écorchées à souhait.

Le dernier Maxi enregistré en avril 2007 et de façon « brut de décoffrage » annonce clairement la couleur.

A noter que cet EP a été salué par la critique notamment le magazine Noise Mag n°9 et de nombreux webzines tels Nextclues ou W-Fenec.

Le trio a joué avec nombres de groupes tels que BASEMENT, LUCERTULAS, KNUT, SPINNING HEADS, STUNTMAN, DAS MODEL, BURNE, ESCARRES, XNOYBIS, MEMBRANE, GRANDIZER, POUTRE, CRIPPLED OLD FARTS, THE CATALYST, XNOYBIS, MARVIN, PNEU et bien d’autres…

2010 voit la sortie d’ un split 7 » vinyl avec les excellents picardiens de Xnoybis, également salué par la critique.

2011 Le nouvel album « Valparaiso » est sorti en France le 23 avril dernier lors du Fuckfest 3 à St Ouen, sur les labels indépendants Réjuvénation ( Paris ), Prototype Records ( Montpellier ), Ocinatas Industries ( Paris ), Contreplaqué-Record ( Paris/Usa ) , Gaburecord ( Béziers ) et P2Crecord.

L’évolution musicale est encore au rendez-vous et l’on retrouve sur ce disque tout ce qui a déjà fait le son et la rage de Pord, avec en plus un côté très rock’n'roll présent sur ces nouveaux titres, tempo plus rapide, précision d’ exécution, tension et hargne intacte tout du long. La voix elle aussi évolue, plus éraillée et sauvagement décalée avec des textes plus crues et directs" (Pord website)

Valparaiso by Pord

Rejuvenation records

Heliotropes

2011-08-02T00:15:00.000+02:00

"Heliotropes is a Brooklyn based all-girl band that also works with a few collaborators from time to time. They play some heavy psych with some doom/stoner undertones. Combined with the clean deadpan vocals you get a very understated, trance-like concoction that ends up being quite addicting. There's less freak outs and solos than you'd expect and it gets a little "poppy" at times but they balance it with atmosphere and great songwriting, and the heaviness becomes a result of the cumulative effect of all the elements rather than being blatantly beaten into each song.
It's like walking a long time with while carrying some extra weight, it's far from back-breaking but you don't realize how heavy it really was until it's done. The music is definitely not a burden however and I find myself wanting to hear more than the 19 minutes of material they have on their bandcamp page. Their debut "III" is available for free download as well as their new 7" Ribbons, but you have the option to pay whatever you'd like for Ribbons which I urge you to do. The 7" is definitely heavier than III but they're both pretty enjoyable."
(... którędy pójdą dzicy święci)

Ribbons 7" by Heliotropes

III by Heliotropes

Heliotropes FB page

Peter Brötzmann Quartet - Improvisation

2011-08-01T21:43:00.002+02:00

Peter Brötzmann est un saxophoniste et clarinettiste de jazz allemand né le 6 mars 1941 à Remscheid, Allemagne.
Il est considéré comme l'un des musiciens les plus importants du free jazz européen. Il est célèbre pour posséder un son de saxophone puissant, et un jeu énergique. Son disque Machine Gun enregistré en 1968 est devenu un classique du free jazz.

Peter Brötzmann

Mother Mallard's Portable Masterpiece Co.

2011-08-01T18:16:00.000+02:00

"Mother Mallard's Portable Masterpiece Co. was formed in 1969 in Ithaca, NY as an ensemble dedicated to performing music not heard in the Ithaca area. We performed pieces by Robert Ashley, John Cage, Terry Riley, Philip Glass, Steve Reich and others. Most of those composers were unknown then. We were the first group to play music of Philip Glass outside his own ensemble. In less than a year, through our friendship with Robert Moog, we developed into a live synthesizer ensemble, proabably the first one in the world. Steve Drews, Linda Fisher and I composed and performed our own pieces for an RMI Electric Piano (our only polyphonic instrument), three modular Moogs and two MiniMoogs including the prototype which is now on display at the Audities Foundation at the Chinook Keyboard Centre in Calgary, Alberta, Canada. The Moogs were gradually replaced by digital instruments, and the group underwent personnel changes. Now things have come full circle with analog sounds being in vogue once again. The latest addition to our collection is the Novation SuperNova, which features analogue sound modeling." (mothermallard.com)

Mother Mallard's Portable Masterpiece Co.

Friedensreich Hundertwasser

2011-07-29T23:49:00.000+02:00

"Friedrich Stowasser (* Vienne, 15 décembre 1928; † Paris, 19 février 2000 à bord du "Queen Elizabeth 2"), mieux connu sous le nom de Friedensreich Hundertwasser, était un artiste, un peintre, un penseur et un architecte autrichien ou plutôt comme il l'a annoncé dans son manifeste prononcé le 24 janvier 1990, un médecin de l'architecture.

Hundertwasser 1965 à HanovreIl invente son nom d'artiste à partir de Frieden qui signifie «paix» et Reich «le royaume» ou bien reich «riche», Friedensreich se traduisant donc par le «Royaume de la paix» ou «riche en paix». Sto étant le mot tchèque pour «cent» (hundert en allemand) et wasser se traduisant par «eau», Hundertwasser veut donc dire «cent eaux». Dans le premier cas, la mise bout-à-bout des deux termes donne : «Le royaume de la paix (aux) cent eaux». Hundertwasser aimait souvent à citer la traduction japonaise de son nom (hyaku-sui).

Bien qu'il soit né et ait grandi en Autriche, la patrie de choix de Hundertwasser était cependant la Nouvelle-Zélande, et sa principale maison le navire Regentag (jour de pluie), un ancien navire de commerce réorganisé.
Son message est profondément, viscéralement écologiste et s'exprime très tôt par des performances remarquées, des manifestes écologiques, artistiques et architecturaux et dans toutes ses réalisations (peintures, affiches, timbres, maisons, architectures, livres...).

Ses manifestes portent des titres comme Ton droit à la fenêtre où il affirme que dans un habitat collectif, l'habitant est maître de tout ce qu'il peut atteindre de sa fenêtre autrement dit, le concepteur doit tenir compte des désirs de l'utilisateur, Pour une société sans déchet, La folie du nettoyage, La toilette-humus, etc. Il se soucie de "l'empreinte écologique" du citoyen et du citadin moderne. En conséquence il crée des immeubles avec des arbres aux fenêtres (l'arbre-locataire), conçoit et réalise en ville et à la campagne des maisons dont les toits sont recouverts de verdure et de végétaux, des sols à niveau inégal et encourage les propriétaires et les ouvriers à être créatifs et à apporter une touche personnelle à leur travail, par exemple grâce à la mosaïque. Il aime l'asymétrie et tout ce qui vient rompre l'ordre et la monotonie de la géométrie pure.

Son œuvre picturale est caractérisée par le foisonnement organique des formes et repose sur la brillance des couleurs. Couleurs qu'il emploie fréquemment (souvent plus douces) en architecture comme l'Or, emprunt au style baroque rococo.

On peut affirmer que Hundertwasser est un artiste inclassable marqué par un immense amour de la nature et l'un des grands pionniers d'une architecture humaniste, écologique et d'un design moderne et particulier qui le distingue des autres architectes." (Wikipedia)

Official website

Solitude

2011-07-24T22:19:00.000+02:00

«La civilisation mécanique vient de parvenir à son dernier degré de sauvagerie. Il va falloir choisir, dans un avenir plus ou moins proche, entre le suicide collectif ou l’utilisation intelligente des conquêtes de l’homme.»

Albert Camus, au lendemain d’Hiroshima, Combat, 8 août 1945

Nomeansno

2011-07-24T19:29:00.000+02:00

Le groupe est formé en 1979 par les frères Rob (basse, chant) et John Wright (batterie, claviers, chant). Rob Wright est le principal compositeur et parolier du groupe. Le nom « Nomeansno » (« Non, c'est non », ou « Non veut dire non ») est tiré d'une campagne contre le viol. Au départ, le groupe emprunte au rock progressif et au jazz autant qu'au punk rock, ce qui fait que leur musique est parfois qualifiée de "jazz-punk". On attribue parfois à Nomeansno une influence déterminante sur la naissance du math rock. Après des enregistrements en duo basse/batterie, en 1983, Andy Kerr (guitare, chant) rejoint le groupe sous le pseudonyme de « Buttercup » ou sous celui de « None of your fucking business ». Il quitte le groupe en 1991. Après un album en duo (Why Do They Call Me Mr. Happy?) les frères Wright embauchent le guitariste Tom Holliston. (Wikipedia)

Nomeansno official forum

Yukio Mishima

2011-07-15T00:05:00.000+02:00

Yukio Mishima - Reportage (Part.1) par Dyonegan

Yukio Mishima - Reportage (Part.2) par Dyonegan

.Yukio Mishima - Reportage (Part.3) par Dyonegan

Wikipedia

Denis Lavant, l'anarchiste couronné

2011-06-21T09:10:00.000+02:00

Louis-Ferdinand Céline : "Les pauvres ne sont que des primates déçus tout aussi féroces et dégueulasses que les riches" (extrait de "Ce soir ou jamais" du 31-01-11 de F. Taddeï sur France 3).

...à mon ami Jimmy Jimmereeno

The Velvet Underground - Under Review [Full DVD]

2011-06-20T22:35:00.000+02:00

Elvin Jones / Max Roach / Art Blakey drum battle

2011-06-19T22:39:00.000+02:00

Free Jazz Wikipedia

Un Chien Andalou de Luis Buñuel

2011-06-19T02:05:00.000+02:00

Un Chien Andalou

Regalia | Myspace Video

Jan Švankmajer

2011-06-18T23:43:00.002+02:00

"Jan Švankmajer, né le 4 septembre 1934 à Prague est un réalisateur surréaliste. Son dernier film, Survivre à sa vie (Théorie et pratique) (l Prezít svuj zivot [teorie a praxe]) est sorti dans les salles en 2010. Son travail a notamment influencé les frères Quay, Tim Burton et Terry Gilliam.

Après avoir étudié la création de décors à l'Institut d'arts appliqués de Prague de 1950 à 1954, Jan Švankmajer entre à Académie d'Art de Prague au sein du département marionnettes. Il commence sa carrière avec le Théatre de masques et le Black Theater avant d'intégrer en 1962 le groupe Lanterna Magika, théâtre de marionnettes.

Jan Švankmajer réalise son premier court-métrage en 1964 : Le Dernier Trucage de Mr Schwarzwald et de Mr Edgar (Poslední trik pana Schwarcewalldea a pana Edgara), influencé (comme tout pour le reste de sa carrière) par le théâtre de marionnettes, le surréalisme et le maniérisme.

A la fin des années soixante il rencontre la peintre surréaliste tchèque Eva Dvořáková avec qui il se mariera. En 1969 Jan Švankmajer intègre le Groupe Surréaliste de Prague, dont il fait toujours partie." (Wikipédia)

Jan Švankmajer official website

Anthony Balch / William S.Burroughs / Jan Herman Video Experiment

2011-06-15T00:20:00.000+02:00

This video -- originally posted at http://realitystudio.org/multimedia/jan-herman/ -- was recorded on Dec. 21, 1971, in William S. Burroughs' London flat at 8 Duke St., where I visited him for several days. I had an Akai video camera and portable reel-to-reel recorder with me. It used 1/4″ black & white tape. We turned off the lights and Bill sat in front of the movie projector. He looked remarkably like Buster Keaton, his stare so blank and deadpan he could have been a mummy. This video has been left unedited, including the set up, to give context.

RealityStudio

Christian Bobin - Un assassin blanc comme neige

2011-06-14T23:01:00.000+02:00

Christian Bobin - Un assassin blanc comme neige par Librairie_Mollat

Présentation de l'éditeur

« L’encre fraîche de Rimbaud tache mes doigts. Ses proses font trembler l’air au-dessus de la page comme sur une route fondue au soleil d’été.

Je vais chercher mon pain, mes nuages et mes étoiles dans l’unique librairie du Creusot. L’acacia au bas de la rue du Guide surgit comme un donateur fou. Son haleine sent le miel et l’or. Toutes les fleurs se ruent vers nous en nous léguant de leur vivant leur couleur et leur innocence. Les contempler mène à la vie parfaite.

Les anémones sont si crédules que même l’enfer leur donne raison. »

Poète, romancier et essayiste, Christian Bobin est né en 1951 au Creusot, où il vit. Après des études de philosophie, il exerce divers petits métiers avant d’aborder l’écriture. Le Très-Bas, prix des Deux-Magots 1992, lui vaudra un large succès. Il est aujourd’hui l’auteur d’une œuvre importante, pour l’essentiel disponible aux Éditions Gallimard. Il a récemment publié La lumière du monde (collection blanche, 2001, Folio n° 3810), Ressusciter (collection blanche, 2001, Folio n° 3809), Tout le monde est occupé (Folio n° 3535), Louise amour (collection blanche, 2004, Folio n° 4244), Prisonnier au berceau (Folio n° 4469), La Dame blanche (L’un et l’autre, 2007, Folio n° 4863), Les ruines du ciel (collection blanche, 2009, Folio n° 5204).

Editions Gallimard

Grand Trine

2011-06-02T00:18:00.000+02:00

"Trio montréalais qui met en vedette à la batterie Raf Katigbak, le loufoque chroniqueur du Mirror. Et musicalement, ça sonne comment? C’est rapide, c’est garage, c’est crasseux, ça sent le vieux punk de la première vague… Bref, ça rentre dedans! -- pl" (Pop Montreal)

Grand Trine blogspot
Grand Trine tumblr

Toshio Matsumoto

2011-06-01T18:22:00.000+02:00

"Depuis le début des années 60, Toshio Matsumoto s’intéresse à faire concilier art et cinéma au travers de ses courts films expérimentaux, véritables travaux visuellement incroyables. On peut y croiser une Mona Lisa perdue en plein trip sous acide aussi bien qu’un démon japonais vert errant dans une forêt rouge. Avec ces expériences irréalistes, le réalisateur s’interroge sur l’image et son fonctionnement, faisant preuve d’une grande imagination où symboles, couleurs et sonorités s’entrecroisent sans chercher à trouver une quelconque cohérence, il explose une approche conventionnelle." (Wildgrounds)

Wikipedia
Ubuweb

Bernard Parmegiani - L'Ecran Transparent

2011-05-20T16:45:00.000+02:00

Bernard Parmegiani - L'Ecran transparent/The Transparent Screen from Seth Watter on Vimeo.

Solar Flares Burn For You

2011-05-20T16:18:00.000+02:00

A rare appearance of the rare 1973 short film "Solar Flares Burn For You" by British filmmaker Arthur Johns. Soundtrack by Robert Wyatt.

Robert Wyatt "Solar Flares Burn For You" (1973)

Griego | Myspace Video

Daniel Knox

2011-05-16T17:19:00.000+02:00

"Après un premier album auto-produit (disponible en version digitale pour quelques euros sur Bandcamp), Daniel Knox, chanteur-crooner barbu natif de Springfield, Illinois, s'est trouvé une maison. Le voici désormais bien au chaud chez La Société Expéditionnaire, label basé dans l'Etat de Pennsylvanie. Daniel Knox est fin prêt à dévoiler le second acte de sa trilogie : "Evryman for Himself" (le premier acte s'intitulait "Disaster", le dernier s'appelera "Chasescene"). Belle récompense pour ce type à la voix unique qui a déjà bossé avec David Lynch et Jarvis Cocker et côtoyé sur scène des artistes comme Sharon van Etten et The Fiery Furnaces. Une voix unique, disais-je, grave mais capable de monter dans les aigus avec une majesté déconcertante, accompagnée le plus souvent d'un simple piano avec lequel Daniel Knox tisse d'imparables mélodies aussi touchantes qu'entraînantes." (My car is full of plums)

Daniel Knox "Ghostsong" from Daniel Knox on Vimeo.

Disaster by Daniel Knox

A Reassuring Fable (Sagan Series Pt.3) by Daniel Knox

Daniel Knox

Luc Ferrari & Otomo Yoshihide - "Archives Sauvées des Eaux"

2011-05-15T18:23:00.000+02:00

Luc Ferrari
Otomo Yoshihide

Coso

2011-05-15T18:11:00.000+02:00

coso - pp 3 (vivo una.casa) from Javier Areal Velez on Vimeo.

Coso - ep (2009)

"Coso is a trio from Buenos Aires, Argentina that plays short experimental pieces for guitar, bass, drums, and DIY electronics.

Since their formation in 2009, Coso got to be well known within Buenos Aires underground scene for their solid noise compositions, avoiding improvisation, and their ephemeral live shows, which last no more than 15 minutes and take place in diverse locations, from pubs and art galleries to abandoned buildings and destroyed factories.

Coso’s songs are rearranged for each performance, using diverse homemade electroacoustic devices and objects found in each venue as instruments. This practices include modifying an electric guitar to use it as percussion, hardware-hacking toy radios, destroying microphoned TV sets, and replacing acoustic drums with a 100 year old giant boiler at an old factory.

In 2009 they recorded their debut EP, which condenses 5 songs in 6 minutes 26 seconds, performed in standard formation at its most compact and raw form. It is distributed through independent music stores in Buenos Aires, and will be released in Europe by Have You Said Midi? Records in late 2010. It is also available for free download here.

In 2010 it is released in Europe by the italian label Have You Said Midi?

In February 2010 they filmed a live session with french filmmaker Vincent Moon, who has shot videos with Xiu Xiu, Mogway, Sigur Ros and the Arcade Fire, among others. This video will be realesed online through La Blogotheque. Meanwhile, they are working on a live DVD which will be released through Pakapi, a local independent videolabel.

At the end of 2010 Coso will start recording their first full length album." (from official Coso website, see link)

COSO #1 from Noise & Contemporary on Vimeo.

LA INFANCIA (a film about COSO) from Vincent Moon / Petites Planètes on Vimeo.

Coso

Périphérique Est

2011-05-10T17:43:00.000+02:00

PERIPHERIQUE EST
Groupe punk belge formé à Bruxelles en janvier 2005 par le chanteur Jacky Lambert.
Octobre 2005 sortie de la démo 16 titres pressée en vinyl à 300 exemplaires (dispo. chez "Born Bad" à Paris et "DémolitionDerby" à Malines).
Avec David à la basse (ex guitariste "no one is innocent", "united biscuits" et "spor"), Fred à la guitare (également guitariste dans "opération s" et "les terribles") et Laurent à la batterie (ex batteur "mighty gordinis", "the ewings" et actuellement dans "the way outs"), ce groupe prouve que le punk n'est définitivement pas mort !

Périphérique Est Myspace Music
45 tours de rock français
Gabba Disques

Jüppala Kääpiö

2011-05-08T19:06:00.002+02:00

"Lorsque nous y repensons maintenant, la première rencontre avec Jüppala Kääpiö eut lieu dans une forêt au bord du Rhône, durant l’automne particulièrement chaud de 2006.
Carole Zweifel, qui jouait à l’époque de l’alto et chantait dans des groupes folk (In Gowan Ring / The Lost People), et l’artiste sonore Hitoshi Kojo (a.k.a. Spiracle, Kodama) se sont rencontrés dans la forêt.
Lorsque nous écoutions les bruits de la forêt, touchions les plantes et les pierres, et flânions sous le soleil, à travers les feuilles, Jüppala Kääpiö était déjà auprès de nous.

Depuis lors, nous avons eu des expériences similaires, pas seulement en Suisse (pays natal de Carole) et au Japon (pays natal de Hitoshi), mais également au Canada en 2007 et en Mongolie en 2008, deux pays où nous avons vécu plusieurs mois, près d’une nature riche.

Lorsque nous commençons à nous promener, en compagnie d’harmonies faites d’objets trouvées en chemin, de petits instruments faciles à transporter et notre voix, Jüppala Kääpiö apparaît immédiatement et nous guide vers un monde éblouissant, rempli de murmures de tous les vivants.

Nous avons commencé à retranscrire nos impressions de rencontre sous forme de musique premièrement. Puis, depuis l’automne 2007, certaines influences ont commencé à apparaître sous forme visuelle, créatures en peluche faites par Carole ou dessins faits par Hitoshi.

Depuis notre mariage en hiver 2008, nous vivons au bord du lac Léman en Suisse, près d’une vallée où Jüppala Kääpiö apparaît régulièrement.
Peut-être parce que nous passons tellement de temps avec eux…il n’est pas rare, ces temps, d’oublier qui nous sommes." (Jüppala Kääpiö website)

Jüppala Kääpiö - Brise by omnimemento
Jüppala Kääpiö - Lamellations by omnimemento
Jüppala Kääpiö - Tomentum Totem by omnimemento

Jüppala Kääpiö
Hitoshi Kojo

Magik Markers

2011-05-08T16:29:00.000+02:00

"Magik Markers, l’une des incarnations les plus sauvages du rock expérimental new-yorkais (...) Chant hurlé sur magma sonore, prestations brutales et chaotiques, la réputation du duo du Connecticut n’est plus à faire, qui s’inspire d’une no wave croisant Teenage Jesus & The Jerks, Mars et DNA.
Elisa Ambrogio et Pete Nolan sont de grands nostalgiques du mouvement qui a marqué New York au tournant des années 70 et doivent beaucoup à Sonic Youth (qui y a fait ses premières armes). Sans surprise, c’est Thurston Moore qui a sorti Magik Markers de l’underground, les invitant à ouvrir la tournée 2004 du groupe et les signant sur son excellent label Ecstatic Peace. Lee Ranaldo, émérite guitariste de Sonic Youth, est à la production de « Boss », dernier album dans leur discographie pléthorique (une vingtaine de disques pour différents labels, des CD-R, etc.). Surprise : à la manière de leur totem Sonic Youth, les Magik Markers entament leur mue. Le son se fait moins violent, presque rock, et pour la première fois se dessinent des chansons... La collision de ces ambitions pop avec leur background noise devrait faire pas mal d’étincelles." (Poptronics)

Magik Markers Myspace Music

Nico "Chelsea girl" (16 mm film by Andy Warhol)

2011-05-01T22:18:00.000+02:00

Umeko Ando

2011-04-25T22:59:00.000+02:00

"Umeko Ando was born in Fushiko Ainu village. She is a renowned expert of the mukkuri (a bamboo Jew's harp) and upopo (the traditional chanting of the Ainu). Immersed throughout her life with the culture, language and traditions of the Ainu, she has become an important successor for the Ainu culture of the Obihiro district. Her participation on OKI's second album, Hankapuy, helped to gain her recognition. Her solo debut album, Ihunke, produced by OKI in 2001, was extolled by many critics and artists, and declared the best world music album of the year by many music publications in Japan. This was followed by further critical success with her second album from Chikar Studio, Upopo Sanke (2003), gaining worldwide attention. －July 15, 2004 Umeko Ando died from cancer at her hometown Makubetsu-cho, Hokkaido. She was 71." (Source : Oki official website)

Umeko Ando Wikipedia

Sundrips

2011-04-24T02:04:00.002+02:00

SUNDRIPS - When from Moduli TV on Vimeo.

Sundrips est un duo (guitare et synthétiseur) de musiques hypnotiques aux vagues répétitives et évolutives, en provenance de Montréal.
De culture "ambient", où boucles cosmiques et sons dans un processus continu s'entremêlent, l'espace de Sundrips se sculpte au rythme des vibrations perçues.
Une invitation au voyage intérieur portée par les notes d'un air qui traverse le temps avec profondeur.

2011-04-10 - Polysix 1 by sundrips

Sundrips Myspace Music
Fadeway Tapes

He of the south

2011-04-22T00:12:00.001+02:00

HE OF THE SOUTH
Expérimental / Métal
Jakarta, Indonesia

He of the south - Myspace Music
If somebody have informations about this band, I'm very interesting in ! Thanks :-)

Belong

2011-04-17T17:10:00.000+02:00

Colorloss record EP

"Common era, le nouvel album de Belong est un impressionnant manifeste de brouillage sonore tout azimut. Ici, rien n’est clair, rien ne se distingue véritablement. Les superpositions se superposent aux superpositions. L’écho démesuré démultiplie le delay abondamment sur-réverbéré. Et ainsi de suite. Tout se confond, tout fusionne.

Certes les Ep Colorloss et Same places (slow version) sortis discrètement et confidentiellement en 2008 laissaient espérer une suite à leur coup de maître initial (un des 3 disques les plus marquant de la décennie passée, où calme et orgie de décibels n’avaient jusqu’alors que très rarement aussi bien cohabités).

Depuis, ils ont découvert qu’ils pouvaient également placer des voix dans leur musique mélancolique en quête perpétuelle du franchissement du mur du son. Une drum machine basique sonnant comme la batterie des albums 17 seconds et Faith de The Cure a fait également et pour le meilleur son apparition. D’ailleurs le dernier album susnommé ainsi que le travail de Martin Hannett sur Unknown pleasure de Joy Division semblent avoir fortement marqué le duo de la Nouvelle Orléans ( Micheal Jones et Turk Dietrich ).

A l’image du climat de cette ville, leur musique est finalement très moite malgré sa froideur de prime abord : elle suinte, transpire, s’étourdit de chaleur intensément humide. Elle respire avec difficulté. La voix comme la musique se noie dans une sorte de matière fondue, gluante et poisseuse. Une expérience unique en terme d’écoute et qui nécessite un certain état d’esprit et un volume sonore conséquent." (Source : Rockittothemoon)

Common era

Never Came Close by Belong
Perfect Life by Belong

October language

October Language by Belong
Who Told You This Room Exists by Belong

Syd Barrett's cover from "Colorloss record EP"
Late Night by Belong

Same places (slow version) 12"

Belong Myspace Music

Collectif Ztohoven

2011-04-15T17:29:00.000+02:00

"À Prague le collectif Ztohoven, c'est de la bombe atomique.
Badaboum avec un collectif d'artistes en colère !

Antonin Pirko est artiste et l'un des fondateurs du collectif Ztohoven, les "100 merdes" en tchèque.

Adepte du hacking artistique, ce mystérieux groupe met la capitale praguoise sens dessus dessous.

En 2003, agacé par la dérive marchande de leur pays, Ztohoven détourne plus de sept cents panneaux publicitaires.

À la place, ils glissent en toute illégalité un immense point d'interrogation censé provoquer le questionnement des passants. Dans une autre performance, le collectif a organisé dans le métro praguois le vernissage d'une exposition où les œuvres d'art se substituent aux réclames.

En effet, aux galeries d'art, les Ztohoven préfèrent l'espace urbain."

(Source : Tracks - Arte tv)

Manifeste - Občan K.

"Citoyen K. / Je suis revenu des lieux d'où je m'étais vu moi-même et j'ai compris qu'il s'agissait avant tout de nous ! Nous faisons tous partie de ce monde, nous formons tous un système et nous nous surveillons mutuellement. Nous prenons tous part à la crainte qui nous tient en respect. Pour nous tous, j'étais entré là où les autres craignaient de mettre le pied et j'avais vu cette vanité, cette absurdité de l'obéissance. Ce qui semble devoir nous servir est si fragile et si facile à abuser. Nous ne sommes pas des chiffres, nous ne sommes pas des données biométriques. Ne soyons donc pas des pantins manipulés par de grands joueurs sur le terrain de jeu de cette époque. Nous devons garder notre dignité pour ne pas avoir peur de nous-mêmes !"

On Media Reality / O mediální realitě from sgnlr on Vimeo.

Ztohoven on Facebook

SCHUSTER

2011-04-14T22:19:00.000+02:00

"Schuster is a dark ambient/industrial project from Australia that started releasing cassettes in the ’80s and has released two CDrs this year. This 5-track release is intended as a statement on biological logistics in warfare. The five tracks all share the title of the album, but have subtitles to differentiate them. However, they are all clearly meant to be variations on the same theme; they share samples, textures, and beats. Of particular note are speech samples describing a micron spreading and infecting dozens of people (“you’re going to die, there’s just no question about that”), and the endless looping of a distressed man crying something that sounds like, “Sacrilege! Why are you playing in this church?” Musically, the first track is a vibrating industrial soundscape, tracks three and four are variations on the same dark drone (three being completely instrumental and four including the speech samples), and two and five feature dubby, clanging industrial beats along with the samples. Two features the beats upfront pretty much all the way through, while five fades the beat in gradually. The repetition of all these elements may border on overuse, but I think that might be part of the message here. I can’t really tell. One of the samples states, “I’m not here to talk about the morality of this stuff, that’s up to you,” so I guess take from this release what you will. I happen to enjoy this sort of industrial-zombie-drone, myself." (Source : Foxy Digitalis)

SCHUSTER - Blac flies resplendent on the blak moon by Licht und Stahl

Schuster - Burdened by Adeptsound

Adeptsound

Cie Deuxième Groupe d'Intervention - "TRAGEDIE ! Un poème".

2011-04-13T13:43:00.002+02:00

"TRAGÉDIE ! Un poème... défie les empêchements et interroge l’espoir. Englués dans un monde sombre et chaotique, des héros de l’ordinaire peu à peu se relèvent. Attachants et généreux, ils offrent un miroir de la reconquête d’un « être ensemble ».

Un manifeste pour l’humanisme , sous la forme d’une mise en abîme du monde, où le public est invité à évoluer librement dans un vaste univers d’art contemporain à ciel ouvert, composé de dix installations plastiques et sonores magistrales d’où émergent progressivement quinze artistes comédiens, performeurs, danseurs, chanteurs, slammeurs, et une contorsionniste, qui proposent avec un mélange d’énergie primitive et beaucoup de douceur des images stupéfiantes qui entrent en conversation avec le public et l’emmènent vers une forme frontale chorale et festive. Une programmation coréalisée avec la Ville de Malakoff dans le cadre des Portes ouvertes des Ateliers d’Artistes" (Source : Blog 2r2c)

Tragedie! Un poème... Deuxième groupe... par in_nocte

"TRAGÉDIE ! Un poème..."
Deuxième Groupe d’Intervention
samedi 14 mai à 20h15 - Place du 11 novembre
Malakoff (92) M° Malakoff - Plateau Vanves - GRATUIT

Cie Deuxième Groupe d'Intervention
TRAGEDIE ! Un poème (dossier de presse pdf)

Heather Woods Broderick

2011-04-12T22:48:00.000+02:00

Un folk aux ambiances feutrées, une voix suave et teintée de velour, entre Hope Sandoval et Cat Power. Le monde d'Heather navigue dans des mers cotonneuses. Et nous, attirés vers cette sirène mélancolique, nous laissons partir à la dérive...

Heather Woods and The Portland Cello Project: "Finding Comforts" from Douglas Jenkins on Vimeo.

Heather Woods Broderick MySpace Music

Pierre Sauvageot / Champ harmonique

2011-04-12T19:48:00.002+02:00

Champ harmonique
"Parcours symphonique pour instruments éoliens et public en mouvement.
Entre mer et roches, usines et paquebots, algues et romarin, dix mille promeneurs-auditeurs ont expérimenté le Champ harmonique, une création du compositeur Pierre Sauvageot."

Pierre Sauvageot
"Compositeur, il a choisi de faire de la Ville le texte, le contexte et le prétexte de son travail.
Pierre Sauvageot est un artiste éclectique et boulimique. Sa gourmandise pour les sonorités nouvelles et son attention à tout ce qui bouge en font avant tout un inventeur de musique.
Les villes sont ses lieux de prédilection, les passants ses auditeurs privilégiés. Compositeur, réalisateur de spectacles, chef de chœur, agitateur, décorateur sonore, son appétit et sa curiosité lui font mener dix projets à la fois. Toutes ses activités complémentaires lui permettent de se forger une pensée cohérente et contemporaine, centrée sur le spectacle sonore, le spectacle de la musique, et plus généralement sur le développement de la création artistique en espace libre."
(source : Lieux publics)

Lieux publics - Centre national de création

Lithomesh

2011-04-11T23:28:00.000+02:00

Expérience de la répétition, drones, sons métalliques, stridences, électroniques vibrations, lenteurs atmosphèriques.
Mystère, longs sanglots, abstraction sensible.

unbeknownst by lithomesh

Dogs can read your mind - lithomesh

Joonatan Elokuu

2011-04-11T15:16:00.000+02:00

Merveilleusement sombres, silencieusement lumineuses et enchanteresses, sont les mélodies de Joonatan Elokuu. Un folk venant de Finlande. Des musiques voyageuses qui habillent les plus beaux matins d'été et réchauffent les après-midi enneigés.
Des mots (en)chantés en anglais ou finnois, dans des écrins de velours hors du temps, nous balladent sur les chemins de nos rêveries solitaires.
Il n'y a plus qu'à se laisser (em)porter...

Tracks from 'Mushroom Heart' (2009, Utupuu) by Joonatan Elokuu

Tracks from 'A Vagrant's Whim' (2010, Utupuu) by Joonatan Elokuu

Tracks from 'Joonatan Elokuu & Mossycoat' (2011, Utupuu) by Joonatan Elokuu

Joonatan Elokuu blogspot
Utupuu label
Free Downloads

Borbetomagus

2011-04-07T23:35:00.000+02:00

Don DIETRICH : saxophones
Donald MILLER : guitare électrique
Jim SAUTER : saxophones

"Formé il y a 30 ans par trois figures de la scène downtown new-yorkaise, collaborateurs de Voice Crack et adulé par Thurston Moore... Borbetomagus représente la démarche extrême et la puissance séminale de la musique free bruitiste.
Leurs improvisations véhémentes additionnent strates métalliques, éruptions explosives de saxes pour une masse sonore ascendante, chaotique et ultime. Leurs performances accidentées et jusqu’au boutistes en font un groupe immanquable sur scène." (Instants Chavirés)

Borbetomagus website

Quand l'architecture donne des ailes (Arte tv)

2011-03-30T09:24:00.000+02:00

Antonin Artaud (1896 - 1948)

2011-03-27T23:08:00.003+02:00

Red Noise / Komintern / Patrick Vian

2011-03-27T17:42:00.000+02:00

"Né sous les pavés de mai 1968, Red Noise marie rock, free jazz et discours anarchistes. A tel point que selon le groupe « un bon concert de Red Noise ne se termine que par l’intervention des flics ». Une habitude née de leur première représentation donnée au sein d’une Sorbonne occupée ? Sûrement, mais le radicalisme du groupe n’est qu’apparent et poussent Serge Catalano et Francis Lemonier à quitter le fils de Boris Vian en 1970 et fonder Komintern. Red Noise continue le combat avec Philip Barry (Batterie) et Jean-Claude Cendi (Sax). Le moteur du groupe restant Patrick Vian qui n’est pas forcément un musicien exceptionnel, mais réussi, dos au public, à sortir des sons incroyables de ses amplis. L’unique témoignage studio est édité en 1971 avec en invité l’organiste John Livengood et le percussionniste Austin Blue. Cet album inaugure par la même occasion le label Futura de Gérard Terronès. Un disque original avec de longues improvisations parfaitement maîtrisées qui reflète assez bien les productions françaises de l’époque. Sur scène, Red Noise tourne beaucoup avec le groupe Planétarium, jusqu'à se présenter quelque fois sous le forme d’un collectif appelé Le Grand Berthoulet et ses péquenots flippants. Mais autres temps, autres meurs, l’idéologie soixantehuitarde s’essouffle au contact des dures réalités économiques. Pour ne pas se renier, le groupe met fin à ses activités en 1972.

En 1970 Serge Catalano et Francis Lemonier fondent Komintern, un groupe proche de la ligue Communiste. Avec d’autres groupes (Lard Free, Barricade), ils créent le Front de Libération de la Rock-Music (après le FLIP, Front de Libération International de la Pop) au vécu très chaotique et éphémère.

Patrick Vian rejoint brièvement Dagon puis continue en solo. Il sort « Bruits et temps analogues » en 1976. On l’aurait également vu dans Métal Urbain en 76/77. Contrairement aux rumeurs, il est en pleine santé et vit en Provence." (Rock Made in France)

Patrick Vian wikipedia
Néosphères

Hamza El Din

2011-03-25T15:54:00.002+02:00

"Originaire de Nubie en Égypte, Hamza El Din (10 juillet 1929 - 22 mai 2006) fut joueur de oud et chanteur.

Né dans le village de Toshka, près de Wadi Halfa, il est considéré par certains comme le père de la musique nubienne contemporaine. Ayant reçu à l'origine une formation d'ingénieur électricien à l'Université du Caire, il changea de direction et étudia la musique. Comme une majorité de la Nubie égyptienne, son village natal fut inondé pour la construction du haut barrage d'Assouan dans les années 1960, suscitant chez lui la vocation de préserver et de promouvoir sa culture. Avant la construction du barrage, il se livra à un véritable travail de collecte du patrimoine oral nubien afin que ce dernier ne disparaisse pas lors de la dispersion des différents villages. À la même époque, ses performances attirèrent l'attention du groupe Grateful Dead, de Joan Baez et de Bob Dylan ce qui lui permit d'obtenir un contrat d'enregistrement et d'émigrer aux États-Unis.

Son disque Escalay : The Water Wheel, enregistré en 1968, est connu pour être le premier à bénéficier d'une sortie et d'une audience aussi large dans le monde occidental. Ce même disque est célébré par plusieurs compositeurs minimalistes américains, dont Steve Reich et Terry Riley, comme faisant partie de leurs influences. Durant les années 1980 et 1990, El Din a occupé plusieurs postes d'enseignement musical près de San Francisco. Plus récemment, Hamza El Din a prêté son talent pour la composition d'un morceau de la bande originale de Babel (film, 2006) du réalisateur Alejandro González Iñárritu intitulé "The Visitors" et joué avec Kronos Quartet." (Wikipedia)

Hamza El Din website
Musique Arabe

Murmuüre

2011-03-23T00:00:00.002+02:00

"MURMUÜRE est français, sort d'on ne sait où et en l'espace d'une demi-heure fait siffler vos oreilles d'une bienheureuse évidence (...).

Chez MURMUÜRE, nous naviguons de guingois dans un univers onirique, instable et cradingue à souhait, émaillé d'épiphanies sonores vraiment, mais alors vraiment bizarres (pour ne pas dire louches), comme l'étonnifiant appel flûté du début de "Primo Vere", suivi de cette inoubliable, génialement équivoque litanie électrique. Toutes viendront vous désarçonner, brouiller vos repères sur le lit d'un riffing abrupt, rêche, aux ressassements nauséeux ("Reincarnate", "Amethyst"), et dont les déflagrations soudaines, grisantes, vous propulseront cul par dessus tête dans l'océan céleste, où les aquariums pourrissants vomissent des étoiles fuchsias en pleine transe rituelle... l'excellentissime "Appel au Soleil" et ses ornements poignants, dramatiques, émergeant de cette tornade Ambient Black en flux tendu me semble être un bon exemple.

Mais on aura beau s'échiner à retranscrire tous les trésors que renferme cette vaste invocation, à la rapprocher arbitrairement de X ou de Y, que cette dernière continuera à retentir entière à nos oreilles, riche et insaisissable comme une corne d'abondance fantôme, prodigue en fantasmagories sonores obliques, apeurantes mais toujours fascinantes. Pour un coup d'essai, c'est bel et bien un coup de maître." (Nightfall in metal earth)

Murmuüre website

Cioran (1911 - 1995)

2011-03-19T14:33:00.000+02:00

Frei Otto

2011-03-18T00:06:00.000+02:00

"Né en 1925 à Siegmar, en Saxe, Otto s’oriente vers l’architecture qu’il étudie en Allemagne puis aux États-Unis. Sa thèse, publiée en 1954, porte déjà sur les structures tendues. Installé à son compte à partir de 1957, il se lance peu après dans une collaboration avec un fabricant de tentes. De là vont naître ses premières réalisations dans le domaine des toitures légères. En 1964, Frei Otto devient professeur à l’université technique de Stuttgart à l’instigation de l’architecte Rolf Gutbrod et de l’ingénieur Fritz Leonhardt. C’est avec eux qu’il réalise le pavillon allemand de Montréal. La structure du pavillon est constituée d’un réseau de câbles précontraints à courbures inverses tendus sur des mâts de hauteur variable. Otto fera usage du même principe pour la couverture des équipements olympiques de Munich. Si cette dernière réalisation le fait connaître auprès d’un large public, on lui doit toute une série d’autres projets remarquables, comme la volière du zoo de Munich ou la halle polyvalente de Mannheim.

Frei Otto a toujours cherché à faire coïncider forme et structure. Fasciné par les bulles et les films liquides, il se montre un observateur tout aussi attentif des formes vivantes. C’est leur caractère souvent minimal qui le fascine et qu’il tente d’imiter dans ses créations. Bien qu’elle soit pour l’essentiel antérieure au développement des membranes, son œuvre constitue un jalon essentiel sur le chemin qui mène à l’architecture textile d’aujourd’hui.

S'inspirant des formes organiques pour la réalisation de structures, il fait partie des précurseurs de l'architecture bionique".

Surface minimale réalisée par Frei Otto avec un film de savon

Frei Otto

Sources : Encyclopedia Universalis / Wikipedia

Plinth / Michael Tanner

2011-03-16T21:08:00.000+02:00

"Plinth is the solo endeavor of Michael Tanner, The Dorset-based composer who also plays as a member of Pantaleimon, Sharron Kraus and United Bible Studies (amongst others).
Production credits include Sharron Kraus' 'The Foxes Wedding', Pantaleimon “Tall Trees” and forthcoming albums by United Bible Studies and Autumn Grieve.
The first Plinth full length 'Music for Smalls Lighthouse' is to be released on Durtro Jnana records in 2009.
“Dulcimer Music” was recorded in 2 weeks, october 2008. Aine o'dwyer (from United Bible Studies) plays harp on 1, richard skelton (sustain release) plays guitar on 5 and Matthew Shaw (tex la homa, 230 Divisadero) plays percussion on 4.
The artwork on this release is an original Vinyl cut print by Michael Tanner, every copy was printed by Michael by hand, the back cover was also done by Michael using Letterpress printing.

Plinth will ease your soul with
the fragile beauty of “Dulcimer Music”, a collection of Six pieces that
drift across the room like clouds, the music beguiling and utterly
charming. I assume all sounds are made with dulcimers, both bowed and
plucked, (mainly bowed) but I don’t know for sure. However it is done,
there is magic in these recording, and interested parties should act
quickly as the edition is limited to fifty copies" (Terrascope)" (Apollolaan recordings)

Plinth - Wintersongs

Michael Tanner MySpace Music

Stuart Dahlquist / Asva

2011-03-15T23:23:00.000+02:00

"I've been playing music for quite a few years now... earlier credits include Burning Witch, Sunn, Goatsnake, Loaded, Hungry Crocodiles, Magnaaflux and countless other projects most of which were so far under the radar it would be pointless to mention them. My main focus is Asva (with Greg Gilmore, Toby Driver, and Jake Weller) which has kept things relatively interesting for a number of years. Also just finished a record with Philippe Petit in which has been a lot of fun, playing and composing primarily on my 1916 Estey reed organ. Currently I'm working on a follow up album to Presences Of Absences (as yet unreleased) for Asva, a collaborative record with Nick Hudson, an yet un-named funk/hardcore fusion mashup as well as learning my way around the pipe organ and (still) bass guitar. I strive to create powerful, emotive, heavy music utilizing relatively simple melodic structures piled deeply atop one another. I'm getting better at it. You can find my music on the Southern Records, Web Of Mimicry, and Southern Lord imprints." (Stuart Dahlquist - SoundCloud)

Latest tracks by GSDahlquist

Asva MySpace Music

Campagne électorale (du spectacle)

2011-03-14T18:14:00.000+02:00

Porter Wagoner

2011-03-14T17:53:00.001+02:00

Porter Wagoner (né le 12 août 1927 à West Plains dans le Missouri aux États-Unis) est mort le 28 octobre 2007 à Nashville.
Porter Wagoner etait un chanteur, pionnier du country-gospel.

Connu pour ses tenues chatoyantes et ses attitudes de playboy, Porter Wagoner a produit de nombreuses chansons, dont la fameuse "satisfied mind" reprise notamment par Johnny Cash.

A noter que le dernier album de Porter Wagoner est sorti en juin 2007 sur le label ANTI.

Porter Wagoner MySpace Music

Stranded Horse / Yann Tambour

2011-03-13T15:23:00.000+02:00

"Stranded Horse est le projet de Yann Tambour, connu depuis « Churning Stride » sous le nom de Thee Stranded Horse en 2007, ou encore lorsqu'il se cachait derrière le pseudo Encre. Et comme sur la cover où il sauve une kora des eaux, c'est encore sur cet instrument que le Normand dresse les projecteurs. Mais ce n'est pas pour autant pour plagier les maîtres de la musique mandingue tels Toumani Diabaté ou Ballaké Sissoko et c'est bien là que réside sa force. Et si il s'approprie l'instrument, c'est pour mieux l'adapter à sa musique pop-folk aux influences anglo-saxonnes. Ainsi, en mariant la kora à la guitare, la magie opère. On est bercé par la délicatesse des arpèges et la mélodie du chant (le plus souvent en anglais aux exceptions de deux titres dont le superbe « Les axes déréglés ») parfois doublé pour renforcer son intensité. Les changements de rythme subtils, et les interventions du violon et du violoncelle, nous sortent de temps en temps de notre rêverie pour mieux nous la faire apprécier. Un album épuré, simplement lumineux." (De la lune, on entend tout)

Talitres//Stranded Horse

Revok

2011-03-12T14:24:00.000+02:00

REVOK///GRIEF IS MY NEW MONIKER from emmanuhell on Vimeo.

MusicFearSatan
Revok MyspaceMusic

Le non-lieu

2011-03-07T00:05:00.000+02:00

Pourquoi "le non-lieu" ?

"La justification du titre tient à une réaction face au recours systématique au concept de lieu, à la prise en compte de l’importance croissante des non-lieux (Marc Augé, lieux de transition, de passage, d’anonymat, d’échange), et à la définition de Henri Thomas : "être un non-lieu, une totalité ouverte". M.H. Gauthier-Muzellec"

Les objectifs de l’association

- "Développer les liens entre aspects patrimoniaux et manifestations contemporaines de la culture, notemment par la création d’événements (concernant les domaines des arts plastiques, vivants, du design et de la mode), et par l’édition (livres, CD, objets artistiques, cartes postales, etc...),
- Créer des opportunités d’expression pour les artistes."

Présentation des bâtiments

"Par commodité, on désigne par ce terme générique de "LA FORGE", un ensemble de locaux situés dans l’USINE CAVROIS-MAHIEU, et comportant :
- l’ancienne chaufferie de l’usine,
- les ateliers d’électricité et de plomberie qui lui sont attenants,
- l’ancienne forge (qui était devenue atelier de mécanique),
- le "magasin" et son étage,
- un couloir parallèle à la rue Jouffroy, puis longeant les autres pièces, en passant dans la cheminée de l’usine.

Menacée de démolition, cette parcelle, en dépit de son architecture composite traduisant les remaniements qu’elle a subis, présente un intérêt patrimonial évident :
La chaufferie alimentait la totalité de l’usine Cavrois-Mahieu. En tant que telle, c’est l’une des dernières existant encore. Par son gigantisme, elle donne une idée de la démesure du site industriel,
L’ensemble des ateliers, le magasin, présentent un cachet et des aménagements qui permettent d’imaginer l’organisation et le déroulement du travail, et de se replonger dans l’atmosphère des usines textiles roubaisiennes,
De la terrasse, au-dessus de l’atelier de mécanique, on peut profiter d’une vue exceptionnelle sur le reste de l’usine : sheds à perte de vue, impressionnant surplomb par deux cheminées monumentales, restaurées et éclairées.
Le couloir permet de passer à l’intérieur de la cheminée, et d’en apprécier caractère et dimensions.

L’atelier de mécanique était, à l’origine, la forge de l’usine lorsque celle-ci a été construite au XIXe siècle. Mais elle en avait perdu les attributs. Grâce aux équipements et outils apportés par Alain Lauras, tous anciens et provenant d’autres sites industriels, l’atelier redevient FORGE, et conserve sa vocation de lieu de travail et de production manuels."

Source textes et iconographie : Le non-lieu

Keiji Haino, Makoto Kawabata & Tatsuya Yoshida

2011-03-02T10:27:00.000+02:00

An Unofficial Keiji Haino Website

The Body

2011-02-23T23:58:00.000+02:00

The Body from James P on Vimeo.

The Body MySpace Music

Punch

2011-02-15T00:30:00.001+02:00

Punch Myspace Music

Habil Aliyev

2011-01-30T16:33:00.000+02:00

"Habil Aliyev lived a hard & interesting life. Born on May 28, 1927 in the village of Uchqovaq in the northern region of Aghdash, Azerbaijan, he began to study musique at the age of 7 under the direction of Ahmad Aghdamsk. Having acquired the basic techinical knowledge of the kamânça [kamanche] he continued extensive practice alone & elaborated on his own style.

Nicknamed the 'Oriental Paganini' because of his perfect technique, he has been consecrated as 'People's Artist' & showered with the highest honours in Azerbaijan, appearing on television regularly. His style is characterized by great freedom & a quest for precise effects & tones, but always serving the ethos that is specific to each muqâm.

It is the improvised solo that displays his true genius & his interpretations of various muqâm as well as adaptaions of of Azeri dances have made him famous & loved by all. He is widely consiered to have breathed new life into serveral muqâms by virtue of his otherworldly kamânça skills.

the drum you hear on these recordings is called a naqara & features prominently in Azeri klassikal musique. i have no clue who is accompanying our boy Hâbil on this slab, sorry. daps to zwan & fam for this trismegistique Melodiya offering. have fun in moscow u crazy kids"
Holy Warbles

Habil Aliyev

Rigel Orionis (1956-2009)

2011-01-30T15:46:00.000+02:00

01 - Variation One (14:05)
02 - Variation Two (12:02)
03 - Variation Three (11:25)
04 - Variation Four (11:30)
05 - Variation Five (7:19)
06 - Variation Six (9:39)
07 - Variation Seven (10:47)
08 - Variation Eight (3:44)
09 - Variation Nine (4:54)
10 - Variation Ten (7:04)
11 - Variation Eleven (11:10)
12 - Variation Twelve (27:21)

"With our second release of 2011, Earth Mantra has a very special treat for our listeners - and one with a particular significance for everyone who loves electronic music. It is our very great privilege to be able to bring our listeners a new album by none other than Jim Brenholts, aka Rigel Orionis, entitled Variations on Sonic Integrity.

For those who didn't know Jim, allow us to share a little of his story. He never would have let anyone get away with calling him one, but Jim clearly was nothing less than a luminary of the ambient world. Well known and regarded for his incisive reviews and commentary, Jim also developed quite a talent at ambient composition, releasing a variety of albums over the years, both solo and in collaboration. Unfortunately, Jim passed away in 2009, leaving us only with memories and his indelible imprint upon this art form we call electronic music. Fortunately for us, however, he also had completed quite a number of unreleased works, including the mysterious and inspiring album that we proudly present to you today.

And what a release it is. This two-disc bonanza of textural abstract ambient goodness contains twelve variations on a theme, all reinterpretations of a base motif that Jim composed, recomposed, deconstructed, and reconstructed into a variety of drones and sonic journeys. As always with Jim's work, the music demands as much of the listener as it did of its composer, challenging people to not just passively enjoy the music but to actively participate in the experience, to sit up and pay attention lest something important sneak by unobserved. This is not ear candy, folks; this is mind music.

Maybe the best word to use when describing this release is "intense". All of Jim's music seethes with an enigmatic energy, containing an invisible reservoir of power around which the air seems to crackle and shimmer. And Variations on Sonic Integrity certainly has an almost fundamental magnetism to it, as if somehow Jim bottled up the forces of nature into twelve recordings and captured them in stasis for the rest of us to hear. A remarkable piece of sound sculpture, by a remarkable man.

So it is with great pleasure that we unveil Variations on Sonic Integrity. Dark ambient music that we feel is certain to send a chill down your spine and put a smile on your face. We at Earth Mantra miss Jim, and feel very honored to be able to bring his music to our audience."
Earth Mantra

Rigel Orionis

Eliane Radigue

2011-01-28T14:48:00.000+02:00

A Portrait of Eliane Radigue (2009) from Maxime Guitton on Vimeo.

Eliane Radigue

De la servitude moderne

2011-01-18T01:44:00.000+02:00

De la servitude moderne,1ère partie (sur 3)
envoyé par avantiprod. - Regardez plus de films, séries et bandes annonces.

De la servitude moderne, 2ème partie (sur 3)
envoyé par avantiprod. - Regardez des web séries et des films.

De la servitude moderne, 3ème partie (sur 3)
envoyé par avantiprod. - Regardez plus de films, séries et bandes annonces.

De la servitude moderne